发布时间： 06:46:00
发布者：吾爱
微信号：wuaiyazhu.
教学目的：
通过本课程的学习，力图使学生初步了解和掌握传统肖像写生以及创作的一般方法和过程。并在此过程中体会摸索油画这一媒介的独特语言魅力，加强形与色的感受能力，并对绘画中形式美的规律有一个初步的认识和运用。主要以课堂写生为主，讲述观摩及临摹为辅，并依据循序渐进的原则，先长期后短期，反复推进，灵活掌握。
教学重点与难点：
油画人像艺术概论
写实主义人像油画技法特点
油画人像塑造的方法特点
教学过程：
油画理论基础知识
一、油画的主要特征
油画，自从15世纪尼德兰的凡&艾克兄弟改进并完善了用油溶解和调配颜料作画的技术，使之成为西洋绘画的主要画种，至今已经在全世界风行了几百年。20世纪初，一批中国留洋学生把握了它的精髓，把它引进国内，使之与原有的传统水墨画等互补共存。由于油画使用材料和工具较为独特，其表现视觉美感的能力也有独特之处。可以说，厚重、光泽、沉着、肌理、斑斓等特征，正是体现了油画独特艺术魅力的主要特征。
厚重是油画颜料质地浑厚、色彩浓重的表现，又是因油画以质地粗糙的亚麻布或者厚 硬的纸张为载体而可以承受高浓度油质颜料的层层添加、反复堆积的必然。它也是油画富有很强表现力的重要关键。
光泽有两种表现：一是使用本身是油质颜料或再调油作画，全画面反射出光泽，或
者在作品完成后再涂上一层发光油，使画面显得明丽而有光彩：二是利用油画颜料的可厚可薄和色彩的对比反差，使有关物体如金属制品、玻璃器皿等的光泽感如实表现出来。油画对光泽的表现，是其他任何画种都难以达到的。
肌理在此是指画面表层所呈现的不同笔触和各种纹理。由于油画颜料可塑性强，作画时一笔一刀地堆砌上去，画面表层就形成斑斑刀痕与笔触；又因为油画画布有其精细不同的纹路，在采用薄涂法、干擦法和用刀刮削等方法时，布的纹理也就自然地露了出来。油画的肌理效果，实质上是人的触觉感知转换于画面上形成的视觉心理的体验。
二、油画的基本技法
油画制作靠手工技巧。油画写生和创作是画家掌握了特定的技巧和方法，驾驭特有的物质媒介，把自己的审美观念和意象传达出来的过程。只有通过勤奋练习，熟练地把握了各种技法，才能在作画过程中得心应手，运用自如。油画的基本技法大致有古典法、薄涂法、平铺法、散摆法、厚堆法、并置法与干擦法等多种。在作一幅作品时，通常几种方法可以同时并用。
古典法是最早留下来被认为正宗典范的技法。它的表现形式有二：一是层层罩染，二是直接铺色。它们的共同点是注重对象描绘的精确性和立体感；造型严谨，用色单纯，刻画细腻，讲求滋润和柔和。
薄涂法是指用经油稀释过的颜料直接画在画布或画纸上的一种画法。它使画面油色交融，具有轻快的透明感。薄涂法常用于起稿和铺色，也有整幅作品都用薄涂法完成，更适宜于速写性的短期写生作品。
厚堆法是选用富有表现力的厚重颜料直接堆到画面上去的一种画法。
为了突出厚重，有时可以使用调色板上剩余的颜料渣来画。厚堆，可以层层覆盖，又能形成凹凸不平的肌理效果。这种画法，适用于近景特写及其他有特殊要求的对象。
干擦法是指用不调油的原汁颜料在画布上进行薄涂擦揉的画法。它可以在有底色的画布上干擦，使画面隐约透露底色，形成一种既冷又暖的色感；也可在干后的原色层上皴擦，使画面出现干枯的色层；还可以在未干的色层上擦揉，使色与色之间融合，求得色彩滋润的效果。
三、油画的特殊技法
油画的特殊技法，来自它使用特有的油质颜料和特有的刀具进行制作的特殊性。利用富有弹性的油画刀进行绘画，
是油画在使用工具上区别于其他画种的一个显著特点。刀法的巧妙运用，也是获取画面艺术效果的重要手段。
1．用刀技法：堆砌法
用刀堆砌与用笔厚堆，有其相似之处，都是把颜料较厚地堆到画面上去。但刀有刀味、效果不同，一般能使色彩明朗，并易于表现物体质朴、苍劲的效果。
2．用刀技法：刮削法
用刀刮削是油画的常用技法。它是与油画颜料不易干燥的特点相联系的。例如：为了追求特定效果，着意刮去画上的颜色，使之隐现底布的纹理；或因画上颜色不甚满意，把它刮掉，再揉捺上合适的颜料；或对已画景物用刀尖刮出留有底色的线条，等等。油画用的油，主要是作为稀释颜料的媒介，种类较多，性能用途各不相同。如松节 油挥发性强，使颜料干得快，常用于调色起稿；亚麻仁油俗称调色油，油性较强，在油画中用途最广；上光油用来涂于作品表面，以保护画面、增强光泽等。讲求用油技法，有助于提高画面色彩效果。
3．用油技法：浸染法
浸染是指以油调合颜料，使之在画面上产生浸化，以求得透明叠映、自然流畅以及非事先预料到的其他效果。
4．用油技法：衔接法
有些需要用较长时间反复进行制作的作品，在制作过程中，为了使色与色、笔与笔之间显得滋润而不生硬，可以使用专门的衔接油，有种称之为&媒介&的油膏，也就是衔接油：如果手头没有衔接油，也可用调色油进行技术处理。衔接油的使用和调色油的衔接处理，都有其特定的技法。
四、油画写生的构成要素
这里的构成要素是指画油画静物所应知应会的各种方法与技法因素，包括摆设、构图、择光、刻画等。掌握这些构成要素，是画好静物画的必要条件。静物画在室内作业，光线稳定，观察描绘不受时间限制。它既是绘画实践的基本训练，也是具有独立审美意义的创作。世界上不少画派的创新，大都在静物画上开始探索，并留下了很多宝贵的作品。
1．摆设组合
静物画在着手绘画前，要选择结构明晰、质感明显、固有色明确的物品为对象，根据物与物的配搭及其远近、疏密关系，进行合理、有序的摆设组合。
2．精心构图
构图是在长方画幅中安排和处理对象的位置及其相互关系，以形成作品的基本框架，古称&经营位置&。构图作为绘画过程的一个环节，主要是应用多样统一法则，把局部个别形象组成艺术整体，以便利用物体的大小、纵横、高低及立体感等来表现审美意向和气氛。作为静物画，则是按摆设内容，选好角度，融入构思，画好轮廓框架，便于接下去以形写神。
3．选择光线
光与色有密切联系，与表现静物质感、空间感、冷暖感，以及诱发人的情感、
情绪，提高作品感染力等都有直接关系。注重于选好和用好光线，是画好静物画十分重要的关键。
4．和谐色调
色调是指色彩的基本调子，是画面色彩的总倾向，比如可倾向于暖色或冷色、亮色或暗色、红色或绿色等。一幅好画必有其表达一定意境的色彩总倾向，以求得在整体上的和谐和统一。只有和谐和统一，才能营造一种感人的氛围。
5．营造氛围
营造氛围是指在画面上着意制造某种特定环境的气氛，旨在显示生活情趣和情调，给人以联想和想像，使作品具有更强的吸引力。氛围往往是通过对画面物体的合理配搭，并综合了光线的有效运用、色调的和谐处理等诸多手法营造出来的。
传统油画一般制作程序
在谈到制作程序时，我们不得不首先强调制作程序是就每个艺术家自己的目的、愿望和习惯、方法而论的，所以它不是绝对的、固定的法则，我们只能依据整个传统油画时期最普遍而具代表性的技法来获得一个规律性的理解和体验。我们不可能罗列全部古典艺术家的技法，而只能将他们技法中的共通而具有实质意义的东西阐释出来，供大家借鉴。特别是在制作程序上各个艺术家有着很多不同的特点，但作为整个传统古典油画这一个体系来讲，统观起来也有其大致的共通点，所以，在此只能将其简单地概括如下。
1、用线起形
用线启形是自古以来画家在绘画的最初阶段采用的普遍方法。自原始绘画以来，用线造型便成为人们对复杂形体进行概括的有效之法，因为线条是形体边界的表示，它能分割不同形状的面积，也能表现各体积之间的关系，更重要的是能获得人们在形体认识上感性和理性的认同。因此不管油画最终效果在层次上、色阶上多么复杂，线条在最初阶段的提炼和概括却至关重要，它首先表现为对大的构图的设置，其次则是对各部分形体的定位与描绘。因此，构图与大形的编排在这一阶段必须基本确立，而在后阶段很少进行改动，这是传统油画在启形上严谨的表现，所以要求最初的启形必须严格而考虑周全。我们可以从古典大师们的素描看出他们对形体的概括和表现，更可以看出他们的素描是直接为油画启形而服务的，而不是作为独立审美价值而存在。那时的素描大都以线为主，而很少有色调层次，除边线的穿插表现形体外，便是以转折或明暗交界线来简练地表示画面中的体积和光影关系。这种简练的线描形式更适于层次复杂、细节丰富的油画在最初阶段的简练启形。古代画家多半是直接先用纸画素描，再用纸背涂木炭或色粉将素描拷贝到做好底子的画布上去。这种方法适于造型上非常严谨的风格的画家，不仅能稳妥地获得准确的造型，而且又不至于像在画布上直接素描那样伤害画布表面。也有在画布上直接用丹配拉或松节油和颜料画出素描关系的方法，不过最普遍的还是先用色粉或木炭拷贝形后再用丹配拉或松节油调颜料画出单色的薄油效果。起形的目的当然是为作品奠定一个形的基础，为了达到准确而精细的最后效果，启形必须严格而清晰地交待出形体在素描上的基本内容，这一程序往往决定着后来深入刻画的成功。但在传统油画中也有的画家打形时只画大的关系、大的气势，用线松动，有的近似潦草，而将准确具体的东西留在后阶段来逐步进行，这样往往能获得一些意想不到的生动效果。不过这两种方法与后期制作也有很大的关系，如果是在铺色阶段以局部 逐个进行的话，则最好先将形用线描绘得充分而准确，但如果是铺色时是以整体进行的方法，则最好是用灵活而不太审慎的用线方式打形。
2、第一遍铺色
第一遍铺色的主要目的是简练地画出大的色彩区域、大的形体关系，以及为后来的肌理、色层打下好的基础。这里所说的大的形体关系是指概括而整体地对待画面中的各个形体，省去在素描意义上小的细节和小的变化，减少明暗层次，甚至可以将体积、起伏归纳为大面积的平面化效果而进行概括。大的色彩区域是指将色彩的各种细小的变化简化为基本的固有色倾向，而色彩的冷暖变化和固有色细节等都尽量概括到大的固有色里。
从肌理上讲这第一遍铺色应尽量含蓄、厚薄均匀、衔接自然，而不应该将最后效果的肌理强弱对比过早显示出来，如果已画出的，可用扇形笔柔化或用画刀去除，为后来真正的塑造作准备。
从色层上讲这层颜色应尽量比最后效果粉一些、灰一些，也就是说不要一下子将色彩的纯度和对比画到最后的效果，这样可以给后来的罩染留有余地。而且这层色应尽量少用调色油，应以松节油为主或加很少的调色油薄薄地画出每个色域，最好不漏过每一个部分，包括暗部在内也要用这种含粉而少调色油的色层垫底，因为含粉多而少油色层有好的吸收性，罩上的纯色尽管含油重也不会发粘，而且与底色层综合后能恰当地获得纯度上的分寸以及色相的准确度。
3、逐步塑造
塑造是指在第一遍铺色的大致平面效果上用笔触进行由大到小的体积建立，
目的是使形体和色彩逐渐明晰、实在。由于第一遍色很可能将启形的线条几乎覆盖掉，这便需要我们用具有一定色彩差别的重色重新勾画，确定形体的轮廓与结构，同时，从暗部画向亮部的逐渐塑造。具体地讲，塑造阶段有几个方面的意义，首先当然是由平面感向体积感渐近，完成素描上的任务；第二，从肌理上讲可以逐步建立差距；即将肌理的强弱与体积起伏的强弱统一起来，呈现出肌量明显的部分也是形体的高点或强点部分；第三，在色彩上可以通过塑造形体的笔触变化来同时顾及色彩的变化.塑造是循序渐进的，不要一开始便想出最后效果，把最强劲的笔触表现出来，而应每画一遍都得考虑到下一遍的顺利进行，因为从肌理和颜料的附着上讲，肌理过早定型后不利于后阶段的修正，而且开始的颜料层过厚形成坚固光滑的结膜，不利于后阶段色层的附着，所以塑造必须是由薄到厚地逐层进行，同时在用油上仍然必须遵守&肥盖瘦&的原则，让含调色油多的色层留在以后的透明罩染上。塑造必须有的放矢，而不应满篇厚涂。必须做到对形体的强弱、肌理的强弱、暗部亮部的对比等有相当的把握和考虑才能进行。比如应控制厚色的相对范围，切不可将塑 造的范围任意扩大，而造成肌理和体感的混乱。一般来说是抓住高点或亮部尽量进行笔触塑造，而对待暗部和中间层次则应柔和且注意衔接，色层的厚度上也应相对薄一些。当然塑造的笔触也是相对的，在有的画家那里笔触的强弱差距是很大的，而另一些画家则喜欢将差距控制在微妙的跨度之间。但总的来说都是缺不了塑造这一阶段的，不然就不能产生油画特有的表现形体的那种实在感。
在塑造这一阶段的色彩相对第一遍铺色时，纯度上应高一些，但也不能一下子达到最后效果，同样要为罩染留有余地，相对第一遍色时，在色相上就可以从大到小地寻求变化和特征了。其中包括亮部和暗部的冷暖变化及固有色的色相变化。加上塑造中笔触的变化，在这时色彩的差异感便逐渐显示出来了。
4、罩染及再塑造
在传统古典油画技法中，罩染和塑造是交替进行、互为补充的，这使得油画具有极强的表现力。如果没有含粉厚色的基础，纯粹的罩染是不可能传达出色彩在纯度上的层次，因为只用透明色是无法表现出各种程度的灰色变化的，更无法表现出肌理上的差异感。相反只有如直接画法的塑造又不可能获得在色彩上既透明又具有灰色在纯度上的灵活性，而且也不能形成色层的丰富感，更不能获得氛围上整体笼罩感。
在传统油画的制作过程中，总是以塑造来完成建立形体、坚实形体、突出肌理的任务。另一方面又总是以透明或半透明罩染来平衡和协调形色的大关系，体现微妙的形色、肌理、层次上的变化。这两方面的不断补充和调整便形成了传统油画那实在、丰富、细腻、润泽、透明的完满品质。
罩染是指用调色油或媒介剂稀释颜料来进行透明或半透明薄染的方法。
它是传统油画技法中最重要而特殊的一种技法，它直接将油画形色中既润泽又透明的特性和优点显示出来，成为后人在技法上一直追寻和研究的课题。没有透明罩染便没有古典油画中的素描层次、肌理层次、色层层次、冷暖层次。我们知道古代油画都不是一次完成的，而是通过多次覆盖、罩染达到最后效果。塑造是传统油画重要的基础步骤，那么罩染即是对这一基础逐步推进的手段。首先它可以逐渐加强明暗对比，其次可以加强色彩的饱和度，另外可以同时使某些部分在形色上统一、柔和，最后还可以达到强化肌理的作用（即将偏深的透明色积染在偏亮的肌理沟缝之中，使肌理明显）。半透明罩染则是对透明罩染的一种修正与补充，在多次罩染中，因油积过重，有时会显得色彩焦灼（即过分饱和），这时可以用含粉的半透明罩染给予弥补（半透明色是指含有粉质的颜料的稀释色），这样既达到罩染的目的，又不至让一些含蓄的灰色失去魅力，同时也起到协调与柔和之作用。
但是一切罩染必须有一个基本前提，那就是必须遵守&肥盖瘦&的总体原则，每次罩染都应在较为吸油的基础上进行（这与底子有关），渐渐达到结上一层带光泽的膜，而不能在已经很光亮或发粘的基础上不断地再罩染，否则便会带来许多后患，如永远粘 手、日久不牢而氧化等。所以罩染的技法要求很高，罩染的次数不能太多，而且必须在层层瘦底塑造的基础上逐渐肥化才能获得一层自然而坚固的膜。在此过程中就要求开始阶段尽量少用调色油（用在松节油中逐渐加调色油的方法），这样才能给后阶段创造条件，以达到油色最好的结膜为目的。每次罩染之间不必等它过干，只要运用软毛笔，而且底子的吸收性适当，都能取得好的效果。间隔时间大概在两天左右，太短会造成油重的积弊，太长而干透后反而影响日后的附着力。不过这种等干的时间还得根据气候的情况而定。考虑到颜料层的耐久性，罩染的油料不能仅用亚麻油或核桃油，尽管它在运笔上的舒适和流畅是无可替代的，也免不了天长日久后的氧化。所以古代艺术家往往加入一些树脂光油，如玛蒂光油、达玛光油，因为树脂是较耐氧化的。另外还有一种称为媒
介剂的东西，是由一种加黄铅并熬炼的熟油与玛蒂光油1：1混合后形成的膏状透明物，用以罩染不会滴淌，但其干涩程度不宜于整体进行的画法或画大画，只适宜局部进行的画法或小画的操作。
总的来说罩染与塑造同等重要，两者相辅相成，罩染固然容易出效果，但它也是冒险的，不能过分依赖它，因为油的含量过多毕竟不是好事，会造成日后的变黄、氧化等。如掌握得当却能丰富和统一画面效果，同时达到很好的耐久的结膜结果。
再塑造是指在每次罩染后再进行形体和肌理的塑造，特别是针对一些高点及亮部应进行反复罩染后的反复塑造，这样更能增强形体、肌理及色层的丰富感厚重感，也便于更充分地刻画物象的细节和色彩的细节。再塑造中的一些干皴笔法还能表现出一些细腻的中间灰色，有的把它称为&视觉灰色&，这又是罩染或直接画法所不能达到的效果。
5、全面罩染
罩染还分局部罩染和全面罩染，局部罩染适宜刻画细部，全面罩染则有利于画面的整体关系及整体表面光泽的均匀一致。反之局部罩染过多则会影响这种关系。在我们用反复覆盖、多次罩染进行对物象的塑造、刻画中，免不了会产生对整体关系和气氛的忽视，从形体和色彩上或是肌理和色层上都会顾了局部而失去了整体的关系。这时需要我们用含油量相对浓稠的透明色对整个画面进行全面的罩染，色彩的选择可以根据自己对总的色调的需要来考虑。这样便可以获得一种浑厚、圆润的形体感；一种谐和、明澈的色彩气息；一种亚光而润泽的表面油层；各种丰富的肌理和色层都被笼罩于其中，产生出一种凝重而浑朴的艺术感染力。
油画肖像写生中的问题
1、油画肖像中的造型问题 造型是画面的&动脉&,有表达价值的造型是形神兼备的。
油画写生中的形与色分不开，下笔即是形，又是色。如果对此体会不够，就很容易顾此失彼。这两个原因。一方面是造型素养与色彩素养的深化问题；另一个是需要一定的写生经验，包括构思、运笔、程序等技艺。另外，还要注 意这样一个事实：有什么样的形就应有什么样的色比如：客观写实的造型关系，就需要有较为客观细腻的色彩描绘；夸张强化的造型关系，需要强化了对比关系的色彩来匹配；减弱光影因素，区域平面色块的色彩表现，就应该在轮廓线的构造关系上下功夫，以达到完满统一的画面形式。
2、画面结构问题
结构这个词包含着非常丰富的理性内容。在西方绘画传统中体现在古希腊理性精神延续下来的独特的结构认识。从古希腊建筑、透视法的发现、黄金分割律的应用到塞尚氏的结构分析热情，成功地把绘画从与其媒介本质不能相适应的命题中解放出来，建立了20世纪的现代艺术精神规范。在画面上结构是作者情绪最鲜明的现实手段，它同时是作者精神物质的集中的外化。我们不仅仅关注人体结构，这当然是必需的指示，还更要关注整个画面的结构。以抽象的线形概括，把未被&造型化&的活生生的人物、风景化为生动可感的艺术结构形象。
3、油画写生中的色彩问题
油画肖像课作为重要的主课，是学生从素描式的造型训练到以色彩感受为主、与形色并重的直接色彩表达的桥梁。在整体画面探索中的对立统一的原则，是色彩的表现力的充分发挥。色彩的表现力的传达需要概括，以色块为主、寻求色域之间的内在表达性。要注意一点，丰富生动的色彩关系，决不可理解为一笔一色，追求局部的丰富而忽视整体画面的色彩力
度。另外，还要注意一个重要问题，色彩作为油画表现语言中重要的语汇，应作为西方文化内涵在绘画艺术中的独特贡献来深入研究。
教学安排：
节讲授理论后学生实践，以临摹为主
作业要求：基础扎实，造型色彩理解和处理到位。有创造性，艺术性较强。学习
态度认真刻苦。
教具材料：模特、衬布、图片
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如何用油画画花草
无论是长在花盆中的植物还是插在花瓶中的鲜花，都是艺术家们非常钟爱的静物主题。它们可以独自成画，也可以作为一组静物的一个部分，比如加入一些水果、一个有花纹的大碗或是玻璃瓶。
花卉的刻画并不简单，很多人常常会因为刻意要画出每一个花瓣、叶子和茎秆的细节而画得太过分，导致画面看起来非常凌乱。所以在刻画花卉时，进行一定程度的简化是非常重要的，不仅如此你还必须要知道这些花的主要特征是什么，才能够正确地判断哪些应该简化而哪些应该突出：它们看上去是饱满健康还是软弱无力，是圆形还是喇叭形，每个茎秆上有好几朵花还是只有一朵？茎秆与花朵相比有多粗呢？所有的这些特征在开始刻画它们之前都要先了解清楚。
初学者很容易发生的另一个错误，就是他们不能正确地把花茎与容器联系起来，所以如果你画的花是插在一个不透明的花瓶中，你就要试着联想一下在瓶口之下的茎秆应该是怎样的形态，这样你才能画出上面花卉和茎秆的正确位置和比例。
在开始作画之前，对这方面的问题考虑得越多越透彻，那在正式绘画的过程中就越不会经历那些无休止的修改，而过多的修改会导致你的作品变得一塌糊涂。同样也要仔细揣摩对象的色彩关系，因为它们画出来之后常常会跟你所期望的不一样。有些叶子是半透明状的，光线透过它们照射下来，会投射出你意想不到的阴影颜色。
而花瓣的色彩更是无法预料。比如说，我们都知道洋水仙是黄色的，但是一旦你仔细观察它的花瓣时，你就会发现它其实是由一系列的绿色和棕色组合在一起的，并且只有高光的部分才会是真正的黄色。
开始正式创作之前，先画素描草图是一个非常明智的选择，而且你还会发现从暗部画到亮部会比较容易，然后把高光留到最后再画。下笔要果断，在刻画花瓣的时候尽量让笔触大胆一些，而不是使用一支小号的貂毛笔来试探性地描画。尽可能不要反复地画一个部分，如果你因为某种原因画错了一些地方，最好是刮掉它们重新开始。
油画：水壶中的杂花，画家：鲁伯特·谢博德
由于花瓶和水壶的形状通常都是又高又窄，所以要加一些额外的物体来平衡画面中的效果。在这幅画中，书本就是起到了这个作用，同时也为画面增添了更多的颜色。
油画：赠给朱迪的静物，画家：凯·高尔维
绘制静物的一个好处就是，你几乎可以完全控制对象的任何一个方面&&物体的种类、摆设方式、色彩以及光源。这幅画中，画家很巧妙地将画面组合出自然的装饰意味：新鲜的花朵、桶子放在手工制造的器皿中，还配有桌布和小雕像。
油画：水仙花，画家：杰里米·高尔顿
画家在这里想要进行一个实验，如果把花朵都放在画面较高的位置上时，是否可以通过桌布的条纹就能使画面效果得到平衡。画家画的时候，他发现要使画面平衡还是需要再加一些东西，因此他在画面的右下角添加了一朵花。画家还对画面中多数的花朵单独进行了仔细的刻画，因为他希望这些花能跟黑色的背景形成对比。深色的花瓶在画面中也跟花朵有着同样重要的作用，它能与浅色的桌布形成对比。
&油画：红色的郁金香，画家：玛丽加·格拉尔
在这幅构图大胆的作品中，偏离画面中心的罐子色彩非常的强烈。尽管花朵是画面的重要部分，但它们本身并不是画面的焦点，因此它们被表现得更像是平面的图案。事实上，像这样具有视觉冲击力的画面，在格拉尔的作品中很常见，她喜欢为物体画上厚重的黑色边线，以此来强调一种二维平面的空间感。
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试论油画的笔触轨迹.pdf 55页
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试论油画的笔触轨迹
美术学专业
研究生张老
．指导教师汪清
作为油画重要的表现语言，笔触具有特殊的表现力和感染力，从油画艺术
的发展历程来看，不论什么时代的作品，也不论是什么风格流派的作品，笔触
的运用构成了画面表现语言不可分割的重要组成部分，它或是依附于具体的事
物形体或色彩，或是以独立的面貌出现，不仅在画面中塑造形象，其自身也具
有较强的审美性特点，除此之外，笔触还是传递艺术家情绪、表达艺术家创作
意图与思想情感的个性语言，是艺术家品格、艺术素养的体现。笔触在画面的
运行轨迹，实际是艺术家内在情感轨迹的物质化。当代油画加强了对笔触表现
性的挖掘，成为画面审美的重要内容。
本文围绕油画笔触，先就油画笔触发展嬗变及其表现形式与内涵进行梳理
和阐述，解释、定义笔触及运行轨迹，分析笔触的视觉表现与画家独特的审美
情感的关系，并最终落实到笔触语言的创新问题上，通过对当代油画艺术家对
笔触语言的探索及自身的实践过程分析，探索如何建构个性化的油画笔触表现
全文共分为六个部分：
引言：对本文研究的目的、内容进行扼要说明；
第一章：油画笔触的审美意义，从节奏韵律、运动感、表层三方面对油画
笔触的审美内涵进行分析；
第二章：油画笔触的历史演变，研究历史是为了发展，该章节主要描述油
画笔触的技法表现、审美观念认识的历史发展与变化，通过对早期古典和近现
代油画家作品中笔触运用的分析，就油画笔触发展嬗变及其内涵进行梳理和阐
述，感受艺术家们对艺术孜孜不倦、不断追求的精神品质；
第三章：油画笔触轨迹的语言性表现，从油画笔触的语言本位出发，通过
对不同时期、风格的油画作品的分析，力求从技术层面归纳分析笔触造型特点，
并对其情感表达功能进行分析与比较；
第四章：从创新角度看当代中国油画笔触表现语言的融合与重构，通过对
当代中国油画笔触表现语言发展现状的描述，并结合个人作品的分析，阐述个
人对笔触创新理念的认识、体会及实践；
结语：审视油画笔触语言的创新，展望当代油画表现语言的发展。
关键词：油画
StrokesoftheBrush
Study Painting’S
MajoE Study
Postgraduate：ZhangTutor．WangQing
strokeofoil
languageexpression，brush
influence．According
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havereachedtheconclusionthatthe
stroke，we
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