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感兴趣的产品一年画一幅，10年3个模特，油画像高清照一般震撼一年画一幅，10年3个模特，油画像高清照一般震撼读西游故事百家号今天介绍的这位主人公名叫冷军，说起他，不得不与油画联系在一起。作为中国油画的代表人物之一，他最擅长的是写实，能把所见到的秒回的栩栩如生，堪比高清照片的画作，让欣赏者为之惊叹！看不懂艺术没关系，但只要看看他的画，你就懂他为何是油画艺术的代表人物之一了。冷军1963年生，84年毕业于武汉师范学院艺术系，现任武汉画院副院长，国家一级美术师，上图就是他的作品之一，不仔细看，第一眼是否着看像高清照片？他最擅长的是人物肖像，1年只画一幅，不做量产，只做精品。而且他挑选模特不一定要专业的，而是自己看了感觉不错的，随心，随性，随缘！他所描绘的人物，即使你用放大镜看细微的细节也有一种真实感。无论是衣服的质感，皮肤的细节都让人为之赞叹，这是画还是照片？甚至连衣服上的线头，褶皱都能看的清楚。这样的画作放在哪，都堪称是精品。另外，从人物的样子和眼神可以知道，冷军的画作，永远有一种说不出的真实和神韵。下图中的这位模特是一位普通的打工妹，于07年创作，之所以选她，是因为在车站吃饭时看见这位服务员突然来了灵感。所以才决定画她，当时的小唐还觉得这是骗子，直到看了参观了冷军的画室。即使小唐答应了冷军，也是在两年之后才开始了创作。这期间，冷军跟她成为朋友，了解她，才能画出更真实的小唐！本文由百家号作者上传并发布，百家号仅提供信息发布平台。文章仅代表作者个人观点，不代表百度立场。未经作者许可，不得转载。读西游故事百家号最近更新：简介:历史小故事，历史资讯作者最新文章相关文章画家一幅油画为什么这么贵?
画家一幅写生油画，到底付出多少?
为什么一幅油画这么贵?
谁能回答？
画家为了一幅作品，需要徒步走很远地方去写生，去到大自然画写生。在这过程中的花费，你知道一幅画需要多少成本吗？在深山里写生生活，住的是老乡土炕，房间没有厕所，洗澡不方便，外面阴冷到你难以想象，画家不怕多少天吃不可口；不怕每天登多少里山，哪怕腿再疼；不怕山高坡陡；不怕蚊子苍蝇；不怕跟壁虎同床；不怕孤单寂寞；不怕家人的惦记；不怕道路险峻，只怕不能创作出一幅自己满意的作品。
在物质上，都是清贫的，但在灵魂上，是富裕的。画家也甘于物质上的这种清 贫，但不甘于灵魂上的贫困。画家如果用绘画来养家糊口，那么，画家既要解决高层次油画作品的创作问题，又要解决书画作品的销路问题。
画家是一场没有尽头的修行，画家是画了一辈子事，要不停的画，不停的画，不停的画。
每一位画家，都是勤奋之人。在短短的生命过程中，最有意义的事情就是做一项自己喜欢的事业。因此，画家不敢浪费一分一秒，积极吸纳各种知识。这是一条吃力而艰辛的路。为了自己的艺术追求，画家付出了比常人更大的代价。
画家都有自己的艰辛与痛苦，每创作一幅作品，尤其是精品，都来之不易。
风景写生油画的问题，根本就是观察的问题，就是用自己的眼睛去看，不要用别人的眼睛去看，不要用自己以前的眼睛看。看鸡蛋，要画鹅蛋那么大，要取舍，移动，要夸张。
通过自己多年的时间、金钱、精力换来的精湛技术和渊博知识。画家宁可省下饭钱或其他零用来购买书，画材。用血汗钱来购买知识，朋友应该更要理解与支持。
每天我们看不到的艰辛，你只看到一幅画，但是这幅画背后的付出多少?画画同呼吸一样。人需要呼吸，不呼吸活不下去，绘画也要呼吸。你要把你自己的感情摆进去，让画面同你一道呼吸，留点空间透气。
一个艺术家最重要的是自我批评，就是要不停地自己讨论自己，自己批评自己。每个人总有不完全的地方，问题是你看得清楚还是看不清楚。最重要的是自己知道自己的好处坏处，这一点很要紧。
画家的作品问世，有着一个极为复杂的过程，所付出的劳动往往是常人难以理解和想象的。不要自己每张画都像画个杰作的样子。只有你在寻找之中，才可以找出一个方法，好像每张画都是成功的样子，就找不出东西来。
油画总是一笔一笔画出来的。但是，对于这一笔一笔的笔触, 不同画家却有不同的安排，常见的办法是把笔 触留在物象结构上，笔触的起止恰到形象转折之处，就仿佛是物象 从这一笔里生出来一样利索，把笔触留在画面上。
油画实际上是一种劳动，而且不是一般的劳动，需要付出巨大成本，甚至冒着经年劳作而可能颗粒无收的风险。风景油画写生“怎样才能画得好？画画都是每个人自己喜欢。所以，应该自己去找情致，不然总是画出来一样的东西。一开始画得好、画得坏都无所谓，只要有兴趣，逐渐逐渐，坚持，自然会有好的东西出来。”
为了一幅写生创作，住进旅馆，在炎热夏天的晚上，只有蚊子不离不弃，时不时给一个红包，让画家感动的睡不着。
你知道吗?一幅写生油画，让画家花费多长时间，昨晚上把准备工作做好，一大早就出门画画。坐车到写生地方大约1小时。摆上画架，画笔，画画要3个多小时，今天顺手也得2个多小时画完了。
画画需要专心，用心，忘我的投入到画面中，作品发到朋友圈收获了无数表扬，自己的画作被选中参加展览，或者被人收藏，都是非常幸福的事情。哪怕只是一句简单的“画的真好”，都可以带给画画的人无限的幸福。完成了突破自己的作品，那种成就感实在是太令人激动啦！听歌，画画，想想都觉得非常幸福。
通过自己多年的时间、金钱、精力换来的精湛技术和渊博知识。画家如果用画画来养家糊口，那么，他们既要解决高层次书画作品的创作问题，又要解决书画作品的销路问题。每天我们看不到的艰辛，你只看到一幅画，但是这幅画背后的付出多少?
画巴掌大一幅的草稿，袖珍画幅，可以在任何时间、地点抓紧一切空闲去进行创作。如果以平均半小时画成一幅的话，那么不论多忙的人平均每天半个小时的时间总是抽得出来的。如果平均每天以一幅画，那么天长日久几年下来就会有上千张作业的量的积累。这样就可以极大地锻炼自己敏锐的把握那些瞬息万变的大自然的不同色调的能力。
爱画画的人都知道，画画看似简单，其实是需要很多种能力的。一个能够把画画好的人，是具有很多种能力的！
画家最重要的特点之一就是观察能力强，不管面对静物、人物还是风景，都可以通过自己的观察，找到这幅画面中最美的部分，以及那些不易发现的迷人细节。
画家那非同常人的造型能力是怎么练出来的？日复一日，年复一年的画！冬天画到手出汗，夏天画到手抽筋。画画的人就没有忍耐力不行的吗？如果没有忍耐力的话，是画不好画的。
观察的目的是为了积累，人类的智慧正是不断积累知识的结果。积累知识又离不开记忆。绘画的语言是形象，形象的积累也靠记忆。画家的速写技巧即使再熟练也赶不上，只依靠眼睛看是无从下笔的，必须在熟悉动作的基础上，靠脑子记忆画出来。
画家在一张白纸上信马由缰，构建出一个只属于自己的庞大世界，实在是太帅了，画家的想象力，给我们带来了动漫作品、游戏作品。丰富了这个异彩纷呈的世界。
画家观察到的东西，经过分析、概括发现事物的内在联系，掌握发展规律，从而有所发明创造。人们不难观察到画画好的人思维活跃，想象丰富，那是由于画家在绘画活动中接触的事物多，受到的感知刺激多，积累的感性知识丰富，并进行积极的形象思维活动。思维是人脑对现实的加工反映。
不管画何种风格的画，造型能力都是画画的基本功。有造型能力，才能画什么想什么，画什么是什么。
想要画的好，得先“画明白”！画过头像的人都知道，如果不理解着结构画，是真的画不出来……对我们每个现实中的人来说，画画要有生活体验。
画家的画作为什么这么美？不但是因为被画的物品本身就非常美，更是因为画家在作画的过程中，还根据自己的审美能力做了优化，艺术源于生活却高于生活，就是这个道理。
努力画，拼命画，往疯了画，自然会有所得。绘画的意境的产生是客观物象在感受中升华的结果。所以作画依靠的不仅是感觉还有心受。写生时常有的体会是：刚到一处写生，觉得无一处可画，可过了几天又觉得处处可画。也就是说作为画家要使大自然向你敞开襟怀，你也向大自然敞开心扉。对大自然只有真诚的对待它的时候，它才会真诚地对待你。
绘画技巧,画家创造的人物形象具有强烈的精神意味，令人过目难忘。画家对生命的敏锐感受，倾注到作品的每一个细节。在画家的艺术中，自觉的融入了中国的文化血脉,吸收了传统的艺趣,以形写神,形神兼备。画家把技法与自己的精神感受血缘般地联系在一起,画家在绘画创作上有独到的见解,也有超过常人的不一般的定力。
“绘画是视觉的,更是心灵的 ,视觉艺术的价值并不只是愉悦视觉，更应该能慰藉灵魂”。 画家所表现的人物大多是他身边熟悉的人。
画家前期写生多半依靠一种新鲜感，依赖第一印象。以后慢慢地对这些作品觉得不满足。因为新鲜感虽然是撩拨画兴的重要因素，但作画只停留在这种感觉的刺激上，往往流于平庸、肤浅。因此，自然而然地就加进了自己的一些情感与想象。写生的第一印象只有被激情和想像托起的时候，才放大了它的价值。否则，就会变成一个机械性的扫描仪。
画画，真不是你想的那么简单！想画好画，还得加倍努力才行！画画的人往往也有很多志同道合的画友，一起写生，一起赏画，一起参展。
写生是画家绘画艺术求生的一种方法，也是画家不断锤炼技艺的一种手段。因为画家知道：治病的药往往不是那些名贵的，而是对症的。
只怕不能画不出一幅自己满意的作品。画家可以做个基本的等量换算，你从20岁开始上班，每个月3000元工资，一年就是36000元，直到50岁，你共收入108万；画家从20岁开始画，直到50岁，作品稍有起色，但还不一定有人买，他的前半生每月画5--8张画，纸+颜料保守安200元计算，一年2400元，直到50岁他不仅没有收益，还需要付出72000元，如果他没有选择绘画的道路，30年赚108万。选择了绘画，30年需要花费最少72000元，并且要承受家人朋友的不理解，生活的窘迫，世人冷漠的眼神，唯一陪伴他的只有孤单和寂寞。
如果是你，你会用自己的一生去赌一个成功率只有5%，并且道路坎坷，艰难险阻，孤独寂寞的职业吗？我不敢，我想你也不敢，但是画家敢，也许直到去世，画家的画都一文不值，又或许某天一跃成名，这都是未知，因为不是画家付出了就一定会有回报，有多少画家是画了一辈子，但始终卖不出去。算算自己的前半生值多少钱，画家的成本就是多少。
我想能够画画的人大抵也是有能力去做一些赚更多一点钱的营生的，只因为好这一口，而放弃了不少能赚更多一点钱的机会。当画点画，写点字，对于别人有某种用处时，希望以此获得相应回报该是合情合理问心无愧的事。愿意认为那些毫无道理开口白要的人只是不懂得这种合理的存在，而不是对别人的劳动缺乏起码的尊重。
油画实际上是一种劳动，而且不是一般的劳动，需要付出巨大成本，甚至冒着经年劳作而可能颗粒无收的风险。只要写实绘画是发自我们内心的感动，它就永远会有生命！”善于思考,勤于探索，有着高度的文化自觉性,并且对油画语言的探索孜孜以求。画家有条件写生就写生，写生是画家最迷恋的作画状态,因为画家觉得写生是感受对象精神信息最佳的方式，也是锤炼油画语言的重要途径。
凭着对绘画事业的热爱，画家在现实中，一点一点地构筑着自己的画家梦。在那些平平淡淡没有色彩的日子里，画家没有沉寂，没有放弃自己的绘画理想，没有让自己“泯然众人”、随波逐流，过一种在人们眼里“天经地义”的生活，纵然取妻生子之后，在画家胸中躁动着的依然是他的画家梦。
一幅好的油画画了10年，你信吗?
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世界著名油画赏析
【俄】伊万.尼古拉耶维奇.克拉姆斯柯依
克拉姆斯柯依（1837-----1887）是俄罗斯“巡回展览画派”的创始人，当时杰出的艺术理论家和社会活动家。
《无名女郎》创作于1883年，排名于《世界十大著名油画》之首，现存藏于莫斯科特列恰科夫美术博物馆。它是画家晚年最得意的作品，是一幅颇具美学价值的性格肖像画，画家以精湛的技艺表现出对象的精神气质。
画面以冬天的城市为背景，白雪覆盖着屋顶，朦胧湿润的天空，使人感到寒意。女郎穿戴着俄国上流社会豪华的服饰：皮毛手笼、镯子、帽子上的白色羽毛、蓝紫色的领结，都表现得极为精到。她侧身端坐在华贵的敞篷马车上，背景是圣彼得堡著名的亚历山大剧院，转首俯视着这个冷酷无情的世界，显得高傲而又自尊。这种姿势语言被描绘得惟妙惟肖、精湛绝伦，表明画中人物与这个世道格格不入、冷眼审视、不屑一顾，又不愿与之合流的神情，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象，也隐含着当时一部分民主主义知识分子对社会的态度。
这美丽女郎的画像，有人说是托尔斯泰笔下的安娜.卡列琳娜，也有人说是莫斯科大剧院里的某个女演员。但不管她是谁，其精神气质确实很能打动观众，无愧为一幅杰出的性格肖像画名作，成为近代欧洲肖像艺术中的精品。
入睡的维纳斯
【意大利】乔尔乔内
这是乔尔乔内最成功的油画作品，创作于1510年，存藏于德国德累斯顿历代大师画廊。乔尔乔内并未完成该画，后由提香完成景观和天空。
这幅在《世界著名十大油画》中位列第二的作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。这幅画在形体、色彩、柔和的线条和景色的层次上都达到了高度的统一。这种充满人文精神的创造，符合文意复兴时期理想“美“的典范。
【意大利】列奥纳多.迪.皮耶罗.达.芬奇
这幅画在《世界十大著名油画》中排名第三，是一幅享有盛誉的肖像画杰作，代表了达.芬奇的最高艺术成就。它成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅、笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达成巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称之为“神秘的微笑”。
【法】乔尔乔内
这幅画创作于1595年，在《世界著名十大油画》排名第四，是卡拉瓦乔早期的一幅油画，现由巴黎卢浮宫美术馆珍藏。
此画表现了一个风俗性的场面，那位给人看手相的吉普赛女占卜是来自街头的下层人物，在为一个贵族子弟看手相。那个头戴羽帽正在看手相的贵族青年戴着手套的手放在剑柄上，未戴手套的手伸向女郎，以轻蔑挑逗的目光看着占卜女。女郎虽地位低微却显得庄重自尊，回敬的目光中既真诚又含智慧，相比之下，贵族青年却显出华而不实的肤浅。卡拉瓦乔这种大胆探索生活的作法，自然会引起一些保守派的不满，有人攻击他的艺术是描写“粗野的自然人”，缺乏美和理想化。然而这却是他艺术的真正价值所在，他正在为现实主义的艺术开辟着一个新的时代，在他的一生中，从生活到艺术，他都是一个叛逆者和革新者。
【西班牙】委拉斯凯兹
《宫娥》这部布面油画创作于1656年，是一幅有着风俗性特点的宫廷生活画，在《世界著名十大油画》中位列第五，它展示了宫廷的日常生活，现收藏于西班牙的普拉多美术馆。
这是一幅有内涵的画，是应西班牙国王菲利普四世的要求画的。在画中画家没有直接画出国王与王后，而是让画面中央部分（邻近景深处）的一面镜子反射他们的形象。福科在他的著名的《词与物》中解读这幅油画时指出，“我们要假装不知道景深处的镜子到底反射的是谁，并在其存在的概念上质问这反射为何”，如此就会看到，“当目光以直角穿越画面时，主体与客体、观众与模特，都在无数次交换角色”，这样，这幅画变成了“古典表象的表象”、它指向“一种本质性的虚无”、“相似性的基础的瓦解”、“主体的取消”，总之，这是一个无主体的开放的民主的空间。
海伦娜.弗尔曼肖像
【德】彼得.保罗.鲁本斯
这幅肖像人物油画创作于1625年，现存伦敦国立美术馆，在《世界著名十大油画》中位列第六。
该画用漂亮和生动的色彩笔触来描绘，线条十分流畅。这是鲁本斯笔下的妇女形象的特点，是他所处的上流社会环境，迎合上层贵族的审美要求，所以他笔下的人物，尤其是妇女几乎都是贵妇人。
画家刻画了形象的性格特征：她的眼神流露出一种乐观幸福的样子，构图严谨，色彩对比强烈；服饰显示了她的贵族身份，但不傲气；从这幅肖像上，观众可以感觉到这位画家所寄托的那种与禁欲主义完全绝缘的生活热情。
海伦娜.弗尔曼的父亲名叫达尼埃尔.富尔曼，海伦娜是他最小的女儿。她有一个哥哥，在1619年和鲁本斯的第一位夫人伊莎贝拉的妹妹克拉布兰结婚。由于这种特殊的关系，鲁本斯很早进出于海伦娜的家庭，并且与所有的家庭成员都非常亲近，也经常为其家人作画。在鲁本斯49岁时，他的妻子去世了，孤独的鲁本斯常常一蹶不振。直到在和达尼埃尔.富尔曼家人亲密交往的过程中，他才渐渐发现自己已经爱上了这个美丽天真的少女海伦娜。于是有一天，鲁本斯终于怀着强烈的爱慕之情，向相差37岁的海伦娜求婚，海伦娜也被眼前这位才华横溢的著名画家所吸引，终于在各种因素的催化下定了终身，并于日举行了豪华盛大的婚礼。53岁的鲁本斯和16岁的海伦娜的结合，轰动一时，大街小巷里，人们纷纷议论起这对忘年婚姻。婚后的生活甜蜜幸福，原本已步入暮年的鲁本斯在充满着年轻妻子爱意的氛围中开始了全新的家庭生活。他为海伦娜画了大量的肖像画、裸体画，年轻的海伦娜也尽心尽力的为婚姻的生活增添情趣，而且毫不吝惜地将丈夫所热恋的美丽的酮体奉献出来作为他绘画的模特儿。海伦娜全身散发的青春气息，滋养着他的艺术创作。这幅《海伦娜.弗尔曼肖像》也正是鲁本斯以妻子海伦娜为模特创作中的一幅。透过这张画我们有幸穿越时空一睹海伦娜的娇媚，也可以看到鲁本斯对海伦娜的心理情愫。
【法】柯罗
《珍珠女郎》在世界十大名画排行榜中名列第七。此画是一幅色彩优美的肖像杰作，它描绘一个戴着用树叶编的“花环”的青年女子。一片树叶在她的前额投下了影子，观众把这个影子误认作珍珠。这虽是一个错觉，却包含着对这幅画的真理性的判断。
【法】马奈
马奈（1832-----1883）的名字意为：“他活着并将活下去”，是法国印象主义画派中的著名画家，被誉为印象主义画派的奠基人。
《吹笛少年》创作于1866年，在《世界著名十大油画》中排名第八，现收藏于巴黎奥塞美术馆。
在这幅带有日本绘画风格的画作中，我们可以看到委拉斯贵支以及戈雅不用任何背景和装饰的画风。画中的吹笛子少年神情专注，以右脚为重心站立，左腿向外伸展，上身自然向左倾斜，手指在乐器的孔洞上按压，悠扬的音符流泻而出。
这幅画在总的暗调子中，突出几块明亮鲜艳的色彩，使人物更加明亮耀眼。运用三种基本色调，红色裤子、黑色上衣以及赭石色的背景。红色裤子两边的黑色边线，与黑色上衣连成一气，红、黑两色间的关系，被马奈以金黄色的衣扣和吹笛少年肩上的白色披带凸显出来。赭石色的背景，是既无横面又无竖面的抽象背景，赭石色的底色，以人为中心，渐次向外加深，使吹笛少年处于明亮的空间中。
【荷兰】文森特.威廉.梵高
《向日葵》在《世界著名十大油画》中位列第九，是荷兰后印象派画家梵高在阳光明媚的法国南部所作。梵高用简练的笔法表现出植物形貌，充满了律动感及生命力。向日葵是梵高最典型的、最具代表性的作品。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地描绘令人无法逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。
对于梵高而言，向日葵是表现他思想的最佳题材，象征着一种激情，象征着一种生命的永存。夏季短暂，向日葵的花期更是不长，而梵高亦如向日葵般在37岁时结束了自己短暂的一生。
他的向日葵画作现存6幅，分别在日本东乡青儿美术馆、伦敦国家美术馆、慕尼黑新美术陈列馆、美国费城艺术博物馆、荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆，另有一幅为私人收藏。
西斯廷圣母
【意大利】拉斐尔
《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，创作于1513-----1514年，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩，在《世界著名十大油画》中位列第十。这幅祭坛画，指定装饰在为纪念教皇西克斯特二世而重建的西斯廷教堂内的礼拜堂里的。最初它被放在教堂的神龛上，至1574年一直保存在西斯廷教堂里，故得此名。现为德国的德累斯顿茨温格博物馆古代艺术大师馆收藏。
这幅作品塑造了一位人类的救世主形象。圣母决心牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的塑造是全画的中心。
这幅画中的圣母被世人认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一扫中世纪以来圣母像中那种冰冷、僵硬、不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽温柔、充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢着坦然的骄傲；为自己手中怀抱着的基督，她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱，因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。
该画体现了文艺复兴时期的人文主义理想，以其秀美典雅的艺术风格，在同类作品中出类拔萃，在西方绘画史上具有特殊的地位，对后来著名的古典主义者产生了巨大的影响。
【意大利】拉斐尔
《雅典学院》是意大利文艺复兴三杰（达.芬奇、拉斐尔、米开朗.基罗）之一的拉斐尔因受任装饰梵蒂冈使徒宫，而在1509年至1510年间创作的一幅湿壁画，位于拉斐尔房间的签字厅，目前是梵蒂冈博物馆的一部分，此作被广泛认定为拉斐尔的代表作之一。
该画以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术-----即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上黄金时代的形式，寄托他对美好未来的向往。它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想，这正是人文主义艺术家自己的宿愿。
全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代、不同地域和不同学派的著名学者。观众面对这幅画，就如同亲临剧场一般。拉斐尔将柏拉图和亚里士多德变为剧中人物，以他二人为中心，激动人心的辩论场面向两翼和前景展开。仿佛正在“表演”一出古希腊思想之唯心和唯物之争。
【意大利】米开朗.基罗.博纳罗蒂
《创造亚当》是米开朗.基罗所作的西斯廷教堂屋顶壁画中的重要部分。是根据创世纪第二章：“耶和华神用地上的尘土造人，将生气吹在他的鼻孔里，他就成了有灵的活人，名叫亚当，耶和华在东方立了一个伊甸园子，把所造的人安置在那里。”米开朗基罗为了集中注意力于大神的创造，以及亚当的诞生，便把神和亚当安置在左右两边的空中和陆地上。右边是耶和华大神，飞翔在空中，他左手抱着天使们，右手伸向亚当。亚当全身裸体，躺在左边的陆地上，一手伸向大神。神与人的手指像接电似的相互交流，这里表现了充满精力的老人和年轻而美丽的生命的诞生。体现了创造者的权威和被创造者的信心。
拿破仑穿越阿尔卑斯山
【法】雅克.路易.大卫
此幅作品是达维特第一次刻画现世的英雄。此前，作者只塑造和歌颂古代和已故的英雄，由此可以看出他对拿破仑的崇拜之情。本画的妙处在于，远处的简约和近景的细腻，色彩的冷暖对比极为强烈，人物和战马的细节刻画非常到位。对于这个理想化的形象，拿破仑本人也十分满意。
【法】克劳德.莫奈
这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见，真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用此画的标题，嘲讽以莫奈为代表的一批要求革新创造的青年画家为“印象主义”，这一画派以此得名。这幅画在日开幕的印象派画家第一次联合展览会上展出，这幅作品是莫奈画中最具典型的一幅。
【法】路易斯.利奥波德.布瓦伊
在这幅画中，布瓦伊以极熟练的笔法与色彩，描绘了市民阶层的生活与风貌。在一个桌球俱乐部里，数十人集中在一起，打球、聊天、玩耍。其场景被画家处理得井井有条，人物刻画体现出新古典主义画风的完整细致。色彩严谨，素描一丝不苟，成为一幅古典风味极浓的风俗画。
不相称的婚姻
【俄】普基廖夫
19世纪60年代，俄国出现许多揭露社会黑暗，对被损害和被污辱者表示深切同情的优秀绘画作品，《不相称的婚姻》是其中杰出的代表。
画面以近景特写人物构图，集中表现一位风烛残年的将军娶一位少女为妻的情节，老者苍老憔悴，少女则面色红润，而这丑恶的行为恰恰是在庄严的教堂中举行。画家揭示了这种病态的婚姻和卑劣的社会交易以及对妇女的摧残。据说画中新娘正是画家的未婚妻，新娘背后那位双手交叉在胸前用审视、严峻、谴责的目光注视这幕人间丑剧的人就是画家自己。
这幅画问世时，当即遭到官方的反对，表面理由是画中人与真人大小等同，这只有在历史画中才允许。实际上是它刺痛了官僚贵族的心，击中了丑恶制度的要害。当时进步批评家斯塔索夫就指出：“此画好不容易才得到官方的承认，画中没有火灾，没有杀戮，画的只是在教堂里神父毕恭毕敬地给洒满香水的将军-----活的木乃伊，与为了官衔与金钱而出卖自己青春的哭泣的姑娘举行结婚仪式。”普基廖夫为失去未婚妻而痛心疾首，一直到死都难以忘怀这次沉重打击。
【法】让.奥古斯特.多米尼克.安格尔
安格尔1814年创作的这幅新古典主义风格的作品，深刻体现了当时文艺复兴时期的时代背景。
该画在巴黎展出时，曾引起了极大的争议和抨击。评论家德.凯拉特里说的较为尖锐，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生阿莫里.杜瓦尔则辩解说：“凯拉特里可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才是她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了！”
【英】约翰.埃.密莱
两个相依为命的孩子，一个是盲女，另一个更小的女孩紧紧依偎在盲女怀里，一边抬头去观看天上的彩虹，一边在给盲女讲解大自然的美丽。云际彩带当空，原野一片金黄，空气是湿润的，在远景的小道上有几头走动的牛羊，近处有飞鸟起落。盲女只能倾听小伙伴的讲解，她连停歇在他披肩上的蝴蝶也无从感受，但她似乎已嗅到了新鲜的空气，听到了原野里生灵的声音。
【法】泰奥多尔.居丹
泰奥多尔.居丹是19世纪法国浪漫主义画家，擅长画海景。他的画作多选择激动人心的题材，借以传达和抒发自己激昂的情感。《肯特海滩》是他1827年创作的画作，存藏于巴黎马里内博物馆。
这是一个惊心动魄的场面，一个怵目惊心的瞬间：《肯特海滩》描绘的是在狂风暴雨的海浪中即将倾覆的帆船，人们纷纷逃离帆船，乘上救生船逃命，狂涛汹涌，人们在挣扎。在黑白两色的对比中，表达的是生命与意志的不可战胜。
希什金肖像
【俄】伊凡.尼古拉耶维奇.克拉姆斯柯依
《希什金肖像》是克拉姆斯柯依高产时期的杰作之一，存藏在俄罗斯圣彼得堡俄罗斯博物馆。这幅面创作于1880年，当时画家才45岁。
这幅希什金肖像，不仅真实地再现了这位俄罗斯大自然“歌手”的外貌特征，而且深入到这位风景大师的内心世界。希什金长着一副络腮胡须，性格幽默开朗，总喜欢两手插在上衣口袋里。为了展示其精神气质，画家采用半身特写构图，使形体语言更为集中，表现出希什金朴实得就像俄国的农民一样。他冷眼看着这个世界，思索着自然和人生的奥秘，再用他的画笔传达给人民大众。
松树林之晨
【俄】伊凡.伊凡诺维奇.希什金
希什金是19世纪俄国巡回展览画派最具代表性的风景画家，也是19世纪后期现实主义风景画的奠基人之一。
希什金的风景画多以巨大的、充满生命力的树林为描绘对象，那些摇曳多姿的林木昂然挺立，充满生机。繁木菁林，疏密有致，大森林的美与神秘，被渲染得淋漓尽致，可谓美不胜收。
油画《松林的早晨》是希什金的代表作之一。它揭示了森林中神秘和幽深的意境，使人身临其境，心旷神怡。这幅油画，把我们带入一种非常优美的诗意般的境界中：早晨，金色的阳光透过朝雾射向林间，清新潮润的空气浸润着密林，巍然挺拔的松树枝叶繁茂，生机勃勃，表现了大自然无限的生机。在这大自然的怀抱中，你仿佛可以尽情地呼吸着甘美新鲜的空气，你几乎能兴奋的叫出声来，聆听自己那激荡于林间的回声。在这安谧寂静的环境中，几只活泼可爱的小熊在母熊的带领下，来到林中嬉戏玩耍，它们攀援在一根折断的树干上，相互引逗，似乎在练习独立生活的本领。这一生动细节的描绘，使整个画面产生了动静结合的艺术效果，同时也增加了观者身临其境的真实感。
画面用色清新、明快、含蓄而丰富，充满了朝气，倾注着画家对大自然深厚的赤子之情。
【法】让.莱昂.热罗姆
曾轰动法国画坛的一幅画。该画描绘了阿拉伯王宫最隐秘的后宫生活，描绘了生活于后宫的王妃、宫女等女眷的闺阁生活，有的在洗浴，有的在清谈，有的在沉思……不过作者想表达的内容不止于此，你能体会得到吗？
画家与女儿像
【法】伊丽莎白.路易斯.维瑞
《画家和她的女儿》是作者最出色的代表作，也是她的自我写照。肖像画的特点在这幅作品中都得到了充分的体现。这是她32岁时所作，十分潇洒优雅。女画家装束朴素典雅，端庄秀丽，目光温柔而深情。她俯身坐着，双臂围抱着女儿的脸。女儿天真可爱，把脸紧贴母亲，搂着母亲的脖子，显得无限妩媚。作品将母女之爱、亲子之情画得十分动人，也表现了画家自己的温婉多情。构图采用了稳定匀称的三角形，色彩雅致和谐，线条优美洗练，背景不加任何陪衬，更突出的主题。
穿蓝装的小孩
【英】庚斯博罗
《穿蓝装的小孩》是英国著名肖像画大师托马斯.庚斯博罗的画作。他描绘了一个衣饰华贵华丽的贵族少年形象。
新颖别致的蓝色调不但没有任何不适之感，反而使人感到眼前一亮，活泼、跳跃的蓝色绸缎，变幻莫测的衣纹、高光；不落俗套的蓝色与含蓄、变换丰富的黄灰、蓝灰、绿灰、红灰的背景形成了奇妙的和谐对比。
这里最成功地方是，画家用准确的色块再现了少年身上的蓝缎子织物的质感和薄软感。整幅画的风格清新流利，色彩富有节奏感，抑扬有度，从而使此画作成为18世纪最杰出的肖画像之一，在世界美术史上占重要的一页。正如当时一位评论家所形容的，他把肖像绘成与歌剧一般富有韵致，这是一个“经过人工处理的真实。”
自由引导人民
【法】欧仁.德拉克罗瓦
《自由引导人民》取材于1830年法国的“七月革命”，作品展示了硝烟弥漫的巷战战场。
画家以奔放的热情歌颂了这次工人、小资产阶级和知识分子参加的革命运动。高举三色旗的象征自由女神的妇女形象在这里突出地体现了浪漫主义特征。她健康、有力、坚决、美丽而朴素，正领导着工人、知识分子的革命队伍奋勇前进。强烈的光影所形成的戏剧性效果，与丰富而炽热的色彩和充满着动力的构图形成了一种强烈、紧张、激昂的气氛，使得这幅画具有生动活泼的激动人心的力量。
英诺森十世肖像
【西班牙】迭戈.德.席尔瓦.委拉兹开斯
该画作于1650年，现藏于罗马多利亚潘菲利美术馆。
此画系应罗马教皇英诺森十世的请求而绘制。画面以鲜明的红色为底，具有一种威严感。画家准确地抓住人物在瞬间的复杂的内在精神状态，既淋漓尽致地表现了凶狠狡猾的性格特征，又表现了这个76岁老头子精神上的虚弱，使人物形象变得更富有个性。或许是作者最为杰出的一幅肖像，画中人物是1644年登基的罗马教皇。在当时人的笔记中，这位教皇似乎并没有给人们留下好印象，他甚至被认为是全罗马最丑陋的人。据说，他脸长得左右不太对称，额头也秃秃的，看上去有点儿畸形，而且他的脾气也是暴躁易怒。然而就是这样一个难看而阴郁的人在委拉斯开兹笔下却成为一绝佳作品。当这幅肖像送给教皇时，教皇惊讶而不安地说了句“过分像了”，可见此画的高度写实和逼真。
吹肥皂泡的少年
【法】夏尔丹
《吹肥皂泡的少年》是巴蒂斯特.西蒙.夏尔丹于1734年创作的一幅风俗帆布油画，现存于美国首都华盛顿国家艺廊。
一个衣着破旧但不失整洁的少年正从室内向室外吹着肥皂泡，他聚精会神小心翼翼地把肥皂泡越吹越大，越吹越大。还有一个孩子，看上去仅有3、4岁，正踮着脚扒着窗台使劲从室内向室外观看……题材非常普通，情景极为单纯，这是一种清闲、安逸的生活情趣，反映了下层平民的孩子们自然、简朴的快乐生活。
戴安娜的休息
【法】弗朗索瓦.布歇
《 戴安娜的休息》是弗朗索瓦.布歇创作于1742年的油彩作品，收藏于巴黎卢浮宫。
戴安娜是希腊神话中的阿耳忒弥斯，她是月神和狩猎女神，是宙斯与勒托的女儿，阿波罗的孪生姐妹。画中的两个裸女形象，右边的即是戴安娜，额前缀有月亮饰物，她以美艳与残忍著称；画家的目的并不在于神话本身，而是路易十五后宫美女出浴图。
画家竭力描绘的是裸女的形体美，纤小的手足，柔嫩白皙的肌肤，躯体坚实丰腴，裸体姿色性感而诱人。由颈项下延至肩臂胸部的曲线，圆润如珠，光彩夺目。有位评论家认为这幅画是布歇“最艺术性的裸体画”。
恐怖的伊凡和他的儿子
【俄】伊里亚.叶菲莫维奇.列宾
沙皇伊凡雷帝在一次与他儿子争执时，用笏杖猛掷过去，不幸击中儿子头部。这一偶然的暴烈冲动致使儿子送命，伊凡顿悟这绝后的可怕举动，立即上前搂抱垂死的儿子，睁大恐怖、悔恨交加的双眼。他想求儿子饶恕，兽性和人性同时显在他身上。为了增加画面的恐怖感，画家有意在阴暗的背景中采用了深重的红色调，映出血腥的击杀。该画集中刻画伊凡的瘦脸，瞪着两只大眼珠，那种不可逆转的杀子之痛预示着伊凡统治将临灭亡。
近卫军临刑的早晨
【俄】苏里科夫
《近卫军临刑的早晨》是俄国画家瓦西里.伊凡诺维奇.苏里科夫1879年创作的著名历史画，现存于莫斯科的特列恰科夫美术博物馆。
该画以彼得大帝1698年镇压近卫军兵变这一历史事件为背景而创作的。画家选取了兵变失败的近卫军在莫斯科红场临刑前的悲壮时刻，形象地表现了近卫军的妻子在告别上断头台的亲人时那种痛苦心情，表达了俄罗斯民族的坚强性格。
贩卖孩子的商人
【法】约瑟夫.玛丽.维安
这是一幅人神合一题材的绘画，有着典型的新古典主义风格。人物造型严谨，肃穆而冷静。女主人被刻画的高贵而矜持，女商人则从提篮里抓住一个带翅膀的小男孩（无疑这是小天使），构成一个充满戏剧性的场面。如果说画家描绘的是当时社会现实的话，那么那个正在被贩卖的长着翅膀的孩子，无疑又给作品增添了扑朔迷离的色彩。
土耳其浴女
【法】让.奥古斯特.多米尼克.安格尔
该画是安格尔于1862年完成的一幅油画。显示了众多裸体浴女在土耳其皇宫浴室内的情景，现藏于巴黎卢浮宫。
这是经典的东方主义画作，具有浓厚的东方情调和异国风味。安格尔把抽象的古典美与具体的写实美巧妙地结合在一起，匠心独具地表现出女性的柔美和纯洁。
画中的土耳其是奴役女性的地方，她们赤裸、四肢丰满而且渴求爱。画作的形式暗示，此景是透过墙壁或门上的洞窥视所见，因此更增添其中的情色快感。这是男人加锁珍藏以自娱的偷窥女人之作。但是只这么看会忽视一些深刻的含义。画中有20个人物，其实是画家自己对创作生涯的总结，因而无需模特儿即可，双手举起的女性形象正是画家的妻子本人。这一切都是清晰的、流畅的、和谐的，符合所谓的“黄金币”。20个人物组织在一起，丝毫没有杂乱与不协调，整个画面就是对古典赞美的尽情赞叹。
从作者一生的绘画经历来看，他最高的成就就是女人体画。他对女色的嗜好是一贯而深刻的，当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力是空前的。肌肉、曲线、酒窝、柔韧的皮肤，一切的一切，都可以从他的油画上看到。
【法】让.弗朗索瓦.米勒
《拾穗者》是法国画家米勒在1857年创作的著名油画。画面描述了农村秋季收获后，人们从地里拣拾剩余麦穗的情景，是现实主义艺术风格的典型代表作，无声地倾诉着农民的贫困与饥苦，焦虑与哀愁，隐含着强烈的社会批判意识。该画现珍藏于巴黎奥赛博物馆内。
【法】米勒
看到这对在田间默默祈祷的农民夫妇，我们仿佛也听到了远方依稀可见的教堂传来的钟声，这“钟声”好像越来越大，传的越来越远……也许是这对伫立在农田里剪影一般的农夫与地平线交叉的形式使人联想到了庄严、神圣的“十字架”，从而，拉近了农夫、教堂与观赏者的距离并强化了教堂钟楼的“音响”感应；也许是由于日暮余晖的笼罩、屏息静思的农夫和静穆沉寂的大地的反衬；也许是由于画家刻意把人物、景物恰如其分地虚化，不但人物、景物、教堂以及教堂里传出的“钟声”可以融为一体，好像观赏者为画中人、画中景、教堂及教堂钟楼里传出的钟声也融为一体……
这外在粗陋、朴实，甚至木讷、痴呆，而内心纯净虔诚、温顺善良的农民形象，不仅体现了米勒对农民的深深理解和深厚的感情，也体现了19世纪后半叶艺术家强烈的民主意识以及现实主义的求实精神。
玛丽皇后在马赛港登陆
【德】鲁本斯.弗兰德斯
鲁本斯在1621年到1630年期间，应聘当了政府的外交顾问，参加了许多外事活动。在这一时期，他为法国皇后完成了以《玛丽.美第奇生平》为总标题的历史画巨作。这套历史画也是画家艺术生涯中最能显示其艺术影响的伟大巨构。
该画现藏于慕尼黑美术陈列馆。画家在这幅竖长画面上，描绘玛丽皇后的宫船刚刚进抵马赛港，她已盛装待迎，准备接受法国最高规格的礼仪。这时，立在船头上的一位象征法兰西的姑娘，头戴军盔，以古罗马的庄严装束，向皇后伸开双臂表示法兰西在欢迎她。豪华的宫船下面有许多海中女仙在尽力拽着绳缆，要让这条幻想的宫船靠近港岸。这是神话与真实历史掺半的极好范例。
红磨坊的舞会
【法】皮埃尔.奥古斯特.雷诺阿
《红磨坊的舞会》作于1876年，是印象主义绘画的重要代表作，现存法国巴黎奥塞美术馆。雷诺阿用印象派绘法恣意表现规模宏大的场面、热闹欢乐的气氛。画面上，巴黎一露天咖啡馆兼舞场人头攒动、热闹非凡，人们形态各异，但都喜气洋洋，画面灵动欢悦，而人物脸上、身上，以及桌上、地上的斑驳光影，那种灵动闪烁迷离的光色变化，则是印象主义对光色变化高度敏感的充分体现。
【法】皮埃尔.奥古斯特.雷诺阿
《乡村之舞》作于1883年，现存于巴黎奥塞美术馆。这幅作品从画面构图上来看，整幅画面只表现了两个在舞蹈中的人物，男人身穿蓝色外套，脚穿皮鞋，左手握住舞伴的右腕，右手搂住舞伴的腰肢。而画面中的女人左手绕过男人的右臂搂在男人的右肩上，右手拿着一把折扇，面部向外，脸上充满幸福的表情。这幅《乡村之舞》中的人物造型极为准确，甚至于从细小的须发都表现的淋漓尽致。在对人物的表情处理上，雷诺阿有其独特的一面，他能够把画面中人物的内心世界毫无保留地展现出来，让观者与之分享内心的喜悦。从画面色彩上来看《乡村之舞》这幅作品，整幅画面除了男人深蓝色的外衣及背景的淡蓝色外，都以暖色调为主，因此也显示出画面的热烈和喜庆的气氛。在人物服饰的色彩处理上，雷诺阿把女人头上戴上了一顶红色的帽子，手上戴着一副中黄色的手套，以这两点颜色表现出当时人们欢乐、喜庆的心情。
【法】雷诺阿
画家成功地表现了剧院中包厢里的气氛，虽然只画了两个人，但画家明显地突出乐那个贵妇人的形象，化了妆的贵夫人与身后的绅士形成鲜明对比。
【法】让.莱昂.热罗姆
这是一个西方艺术家眼中的东方场景。近东地区司空见惯的奴隶拍卖，引起了画家的注意。被剥去衣衫的女奴裸体站在台上被拍卖，台下是争相竞价的商人，他们伸出手指，暗喻买奴隶的价格。女奴们茫然地望着这一切，听凭命运的摆布……。可以看出，热罗姆是怀着同情与怜悯之心创作这件作品的，表明了他的良知与对奴隶制的不满。
蒙马特大街冬天的早晨
【法】卡米耶.毕沙罗
该画创作于1897年，存藏于圣彼得堡的艾尔米塔什博物馆。
这是一幅蒙马特大街的全景图，描绘了现代都市的繁忙热闹场面。整幅画视角宽广、构图宏伟、透视准确。画中车马人流很小，粗笔带来，却仿佛在画中移动、生动形象。它预示了20世纪未来派画家所热衷描绘的景象-----现代都市快速运动节奏。
【意大利】列奥纳多.达.芬奇
耶稣降生后，东方三个国家的国王看到天空有巨星高照，就特地来耶路撒冷行礼朝拜。历史上以三往来拜为名的画不计其数，但表达的意思都是这个，宗教意味较浓。
【法】巴斯蒂昂.勒帕热
《垛草》是巴斯蒂昂.勒帕热1878年创作的一幅现实主义画布油画，现存于巴黎奥赛博物馆。
该画唤起了人们对遥远的19世纪法兰西农民生活命运的无限同情。画面上是一对农民夫妇，在村边田野的树荫下休息。那因“垛草”而劳累过度躺在草地上酣睡的农夫，他好像刚刚吃过妻子送来的饭，用草帽盖着脸正在享受着这片刻的轻松；年轻体壮的少妇默默地坐在丈夫的身边，长期生活的艰难使她显得疲惫不堪，神色已变得像老年人一样，神情麻木、呆滞而漠然。这种漠然的表情深刻地表现了19世纪法国农村贫苦的生活状况和辛苦劳动对人的精神的巨大的影响，激起了观众强烈的共鸣。
【俄】伊里亚.叶菲莫维奇.列宾
俄国写实主义大师列宾在十九世纪后期创作的《意外归来》，主要塑造了一个在沙皇专制统治下遭受迫害的革命知识分子的形象。经过长期流放和苦役，革命者突然归来。一个面容消瘦、满脸胡须的中年男子走进房里，身上还穿着囚衣。他的不期而归使家人即是意外又是兴奋：门口的女佣把他看成“陌生人”，年迈的母亲吃惊地从沙发上站起来。画面上还有他的妻子和两个幼稚的儿女。这幅画几经周折才得以展出，现收藏于莫斯科的特列恰科夫美术博物馆。
在《意外归来》的初稿中，那个革命知识分子是位女性流放犯。列宾后来按着生活的真实定稿时，改画成一个饱受折磨的中年男子，他满脸胡须、形容憔悴，消瘦的身躯还穿着没及时更换的囚服。
梅杜萨之筏
【法】泰奥多尔.籍里柯
《梅杜萨之筏》创作于1819年，现收藏在法国巴黎卢浮宫。
画家以金字塔型的构图，把事件展开在筏上仅存者发现天边船影时的刹那景象，刻画了人物饥渴煎熬、痛苦呻吟等各种情状，充满了令人窒息的悲剧气氛：
大海上漂浮着一只岌岌可危的木筏，海风鼓起床单儿做的桅帆，巨浪掀起的木筏在不停地颠簸。筏上的难民有的已奄奄一息，有的还在眺望远方。被簇举在高处的人挥舞着手中的红、白色布巾，不断地向远方呼救。这就是世界美术史上著名的油画《梅杜萨之筏》。整幅画面给人以动荡不安、危机四伏之感，慑人心魄，站在此画前的观众无不为之震撼。
背景介绍：1816年7月，法国政府派遣巡洋舰“梅杜萨”号，载着400多名官兵及少数贵族前往圣.路易斯港。率领舰队的是一名缺乏实际能力的舰长，由于他指挥错误，在途经西非海岸的布朗海岬南面时不慎搁浅，造成了惨重的灾祸。
阿尔卑斯山的雪崩
【英】菲利普.卢泰尔堡
这是一幅以严谨的手法描绘阿尔卑斯山雪崩景象的风景画，作于1803年，现存藏于伦敦泰特美术馆。
画家十分注意造型与色彩的关系，近景的暖色与中、远景的冷灰形成对比，产生了纵深的空间感，块状的山岩造型及不同斜线的构图，造成了雪崩的动感与恐怖气氛。画家以写实的手法，再现了雪崩的奇异与壮观景象，形象地表现了，山崩地裂、气势逼人的自然威力。
抱银鼬的女子
【意大利】列奥纳多.达.芬奇
这幅画是达.芬奇四幅有关女性的作品中的一幅（其余三幅分别为《蒙娜丽莎》、《吉内芙拉.德本奇》和《拉贝勒.费罗尼埃》），画中的女主角是他在米兰时期的赞助人卢多维科.史弗萨公爵的情妇-----切奇莉亚。该画作于15世纪末期，现存藏在恰尔托雷斯基博物馆。
画中的人物气质高贵沉静，怀抱的白貂毛色光润、咄咄逼人、充满生气。人物略微侧坐，面目表情温顺柔和，沐浴在光线之中。切奇莉亚生于1465年左右，她以美貌与丰富的内涵而闻名。达.芬奇的画笔非常生动地抓住她这两样迷人之处，同时又呈现一种动态，完美地平衡画面。她的脸向着右方，似乎是听见什么人说话而侧身。达.芬奇不但用这个姿势表现出动态，而且成功地让画中女子流露出如雕像般高贵、端庄的气质。列昂纳多用她膝盖上的白貂暗示了人物的身份，因为白貂是尊贵的象征。
这幅肖像画最引人注目之处是明暗的处理，画家运用光线和阴影衬托出切奇莉亚优雅的头颅和柔美的脸庞，形神兼备，使得世人推崇。
被囚禁的马里尤斯
【法】让.热尔曼.德鲁埃
该画创作于1786年，现存藏于巴黎卢浮宫。
画家捕捉的就是这一瞬间，并把它定格在画布上，体现了明显的新古典主义手法。大块面的造形，色彩整体凝重，背景为帷幕状。把这一冲突性的场面，处理成像舞台剧一样，呈平面性展开：马里尤斯身披红袍，斜坐在椅子上，凛然地面对欲行刺的刺客，刺客掩面提剑欲刺之。
【法】居斯塔夫.库尔贝
1849年完成的《石工》是库贝尔的重要代表作，也是现实主义代表作著名之一。此画不幸于1945年被烧毁，如今只有复制品留下，原藏德累斯顿国立画廊。
《石工》是内涵极为深刻的一幅画作：在炙人的烈日下、在路旁的山沟边，一老一小两名石工，穿着粗布衣、脚蹬简陋的木底鞋背对我们，微微弓起的脊背突出在高耸的暗绿色与土黄色的山坡前面，山坡几乎填满了整个画面，上面压着厚重的云层，只有一小角蓝天出现在画面的右上角山坡的后面。卷边的帽子、铁锹、锤头、条筐、铝锅，年轻石匠身上的破绽、年老石匠膝盖上的补丁以及他庄重的表情赫然在目。画家精确而有力的表现这种熟视无睹的劳动场面，反使人感到惴惴不安，从某种程度上看，它与米勒的《拾穗者》异曲同工，令人大为震撼，产生悲悯与叹息。库尔贝说：“我每天散步时都看到这些人。而且，这个阶级的人们往往就是这样度过一生的。”
【法】居斯塔夫.库尔贝
库尔贝画过许多妇女形象，而以这幅画中的筛麦女子最朴实、最能体现他的美学思想。
这是他继1849年创作《石工》后的又一幅表现普通劳动者的朴素、勤劳品质的作品。“劳动者是美丽的”，这是所有人看到这幅作品时的最深刻感受。画面表现了麦场上两个劳动着的普通农村妇女和一个男孩儿的形象。在画面的左边一个农妇穿着灰色的裙子，靠着麦包上无精打采地拣着麦子。在画面的右边一个男孩儿正低着头查看木柜。在画面的中间，一个年轻健壮的农村姑娘正跪着筛麦子，身体成优美的S形。整幅画无论从构图、色彩还是人物表情刻画上看，突出表现了农村姑娘的形象。虽然主要人物的脸是背对着观众的，但从她洁白而圆润的手臂、丰满而健壮的身影中都可以想象出这是一个勤劳、朴实的农村姑娘，她那优美的姿态给人以美的感觉。
【荷兰】文森特.威廉.梵.高
此画是梵高于1889年在法国圣雷米的一家精神病院里创作的一幅著名油画，是梵高的代表作之一，现藏纽约现代艺术博物馆。有种普遍的说法，由于这是梵高在精神病时期所作，世人普遍认为这是梵高想象出来的美妙情景。
在这幅画中，天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料桨，顺着画笔跳动的轨迹，而涌起阵阵漩涡。整个画面似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来像是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻想世界。
梵高在这里并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图像中，他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突，从而强化情感的刺激。我们在画中看到，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比；那点点黄色灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。
【荷兰】梵高
这是梵高临摹自米勒的同名作品。画面是一个农村的耕地，背面是农民的房屋。画的右方一位农妇扶着小女儿帮助她学步。左方女婴的农民父亲蹲在地上张开双手鼓励她向前走。
这虽然是梵高临摹米勒的作品，但是整幅画都显露出梵高个人的风格。画面用色鲜明，多用蓝、黄和绿色。这些高明度及属于自然界的颜色，让人感受到活跃的生命力。他让画中的人和物框上厚实的黑色线条，这明显是受到日本艺术的影响，亦让画面增加实在的感觉。
另外，他亦以弯曲旋转的笔触绘画树、灌木和农作物。这是他成熟画作中常用的手法，也令这画增加生气勃勃的气息。整幅农村景象让人感到农民的实在生命，平凡但跃动又充满亲情。
打伞的女人
【法】克劳德.莫奈
1892年，莫奈与爱丽丝.欧希德再婚，这幅画是以爱丽丝与前夫所生的女儿苏珊娜为模特儿所创作的，现存藏于巴黎奥塞美术馆。
阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影-----蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上、袖肘上。女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。
【西班牙】巴勃罗.鲁伊斯.毕加索
毕加索用最简单的绘画表现出了一个在梦境和现实中的少女，他独特的表现手法给观者更多的想象空间和思维自由性。
这幅画作于1932年，可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。
《梦》又称《在红色安乐椅上睡着的女人》，只用线条轮廓勾画女人体，并置于一块红色背景前。女人肢体没有做更大分解，稍稍做了夸张划分，色彩也极为单纯。这幅画是毕加索以立体派描绘女人形象和新古典派风格相结合的产物，是形象极端自由-----线条和色彩自由结合的杰作。
《梦》整体色彩鲜明，用笔直接，线条使用较多，充分表现女人身体线条。画面当中女人的脸被从中截开，是立体派表现的一种手法。女人的面部表情安详、柔和，看得出她睡得好甜，让人有一种欲睡的感觉。女人的身体比例不是很协调，上下半部分过于窄小。两个用线条描绘的宽大的手臂置于椅子的两个扶手而向身前耷拉着，显得那么的无力，完全进入睡的状态。女人的上衣就用几个淡绿色线条勾勒出来，她的两个圆滑、挺拔的乳房是那么的迷人，真实展现女人身体质感。女人脖子上的项链采用红与黄，显得那么的突出，给人视觉冲击。
【意大利】达.芬奇
此画是列奥纳多.达.芬奇应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。先后画了两幅，第一幅约作于1483-----1485年，为油画，现藏于巴黎卢浮宫。画上的情节取自圣经《新约全书马太福音》第三章《耶稣受礼》故事；第二幅创作于1508年，对玛利亚手指及衣服颜色等细节做了些许修改，现为伦敦国立美术馆收藏。
画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗岩石的衬托下还是能明显地辨析出来。奇形怪状的悬石从湿漉漉的岩体上追垂下，具有植物学准确性的花草竟能辨别出鸢尾花、银莲花、紫罗兰和一些蕨类植物。年轻的母亲以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，她的另一只手则向儿子伸过去。天使面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面。一连串手势代表保、指示、祝福等含义，这一组人物是按金字塔的构图原理组建安排的，塔顶是圣母的头，侧边是她伸出的双手，底角是天使和婴儿。此画虽属传统题材，但表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。人物、背景的微妙刻画，烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视、缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。
倒牛奶的女仆
【荷兰】约翰内斯.弗美尔
弗美尔的绝大部分绘画的内容是他周围的日常生活。《倒牛奶的女佣》作于1658年，现藏于阿姆斯特丹国立美术馆。
该画构图不复杂，轮廓较清晰，环境纯朴。将一个简朴的厨房画得很有感情，甚至能令不少观者产生不同的怀旧心理。女佣人是个非常健壮的村妇，她塞起了胸前围裙的一角，忙着准备早餐。左边墙角有一窗户，一边挂着一只藤篮和一盏马灯，桌上杂乱地摆着一些食物。所有人和物的质感都很强烈。
腓特烈听桑索西长笛音乐会
【德】阿尔道夫.门采尔
《腓特烈听桑索西长笛音乐会》是门采尔的名作，创作于1850-----1852年，现收藏于柏林国家美术馆。
整幅作品色彩辉煌华丽，冷暖、明暗的转换与过渡，与画面情绪相融恰到好处。在总体背景下，人物刻画主次、身份、等级分明。处在灯光照耀下的贵族们服饰华丽，却被画家以灰调子淡化；处于暗部的乐手们，在烛光下显出全神贯注的神情。真正处于焦点而又被人关注的，是那位笛子演奏家，他姿态潇洒、神情专注，陶醉于曲调之中，灯光给他以暖调，黑衣使他庄重，优美的乐曲似乎正从演奏家的指间溢出，并充满了豪华富丽的空间。
画家以写实手法体现于画面的每一处细节。幻妙的音乐、精致的灯盏、婉转的长笛、闪烁的烛光，每一种物象的和谐购置复原了一幅展现上层社会风貌的画面，朦胧的黄色调蕴含着几分诗的光华，将暖意聚焦于画面中心，暗褐色的背景逐步向外延伸，主体形象手持长笛略带沉思。美妙的音符流淌着抒情的旋律，与豪华气派、雍容华贵的宫廷生活产生视觉与听觉的和谐之美。
附记：腓特烈.威廉三世（1770-----1840年）是德意志历史上最伟大的君主，带领普鲁士打赢了几乎不可能胜利的七年战争，他不但是一位文治武功的君王，也是一位长笛演奏家。
【俄】列维坦
《白桦丛》又译《桦树林》创作于1888年，现收藏于莫斯科特列恰科夫美术博物馆。
作者尝试描绘阳光照在桦树林中的光感和空气感，具有鲜明的印象派画风。画家抒情的手法，诗意地展示了白桦林那无可替代的魅力，让人从中得到美的享受，领略自然的生态之美。
列维坦的风景画一般以农村的平凡景色为题材，赋予大自然以特殊的涵意。他与大作家契科夫是莫逆之交，在契科夫的启发下，列维坦更加接近具有民主思想的人物，使自己的风景艺术更具时代意义。契科夫说：“他是一个伟大的独树一帜的天才，他的作品是那么清新有力，本该引起一场变革，可惜他死的太早了”。列维坦的一生经历坎坷，但在他的画中却充满希望、欢乐，闪烁着“能使疲倦的心灵愉快起来的阳光”。
伏尔加河上的纤夫
【俄】列宾
世界名画《伏尔加河上的纤夫》是伊里亚.叶菲莫维奇.列宾的成名作品，也是现实主义绘画杰出的代表作之一，现收藏于圣彼得堡俄罗斯国立美术馆。
画中列宾画了11个苦难深重的劳动者，被烈日炙烤的焦黄的河岸上，一队蓬首垢面、衣衫褴褛的纤夫拖着沉重的脚步，拉着货船在酷日下精疲力竭的向前挣扎。一曲低沉的号子在炎夏的闷热中与河水的悲吟交织在一起。他们中有老有小，个个都衣着破烂、面容憔悴。领头的是一位胡须斑白的老者，眼睛深陷，刚毅的面孔透出饱经风霜的智慧，但愁苦的表情仍然显示了他对艰苦生活的无奈。走在最后的纤夫低着头垂着手，麻木地随着队伍向前挪动，似乎已经习惯了这样日日苦役般的生活。队伍中还有一个较为突出的形象，是处在队伍中部的一位少年，可以看出他才开始这样的工作不久，皱着眉头还不太习惯，他直起腰腰想要用手松一松肩头紧勒的纤绳，毕竟年轻，还不甘心忍受这样的苦楚。其余的纤夫都弯着腰低着头，似乎已没有多余的力量再来表现点什么，在他们身上剩下的唯有贫苦、艰难与无奈。在这幅反映纤夫苦难生活的画里，与其说是人与自然在搏斗，不如说是人在与残酷无情的黑暗命运和社会搏斗。
福利.贝热尔的吧台
【法】艾德华.马奈
该画创作于1882年，现在珍藏于德国。这幅画是作者生前最后一次刻画他所熟悉和喜欢的巴黎喧嚣和豪华的生活。
画中描绘了一位金发女招待站在吧台后面，身穿饰有宽大花边的紧身上衣，两手撑在台面上正在应酬顾客，她的身后是一面大镜子，画外的一切都隐隐约约地收入其中。酒吧里灯火辉煌、宾客满座，热闹华丽的景象被表现得淋漓尽致。为了加强空间的对比关系，画家特意利用了大块的玻璃镜作为背景，琳琅满目的酒瓶、玻璃杯使画面变化丰富而生动，好似观者自己正站在台前。这幅画于1882年沙龙展出后得到了广泛好评。
女芭蕾演员
【法】埃德加.德加
德加是印象派的重要画家，富于创新的构图、细致的描绘和对动作的透彻表达使他成为19世纪晚期现代艺术的大师之一。他通常被认为是属于印象派，但他的有些作品更具古典、现实主义或浪漫主义画派风格。
花园中的圣母
【意大利】拉斐尔.桑西
《花园里的圣母》创作于1507-----1508年，现存藏在巴黎卢浮宫。
创作这幅画还有一段趣闻。一天，拉斐尔在花园中散步，看见一位美丽的少女正在花丛中剪枝，艺术家被她那富于魅力的形象所吸引，立即敏捷地将这位姑娘的形象速写下来。不久，他用这位少女做模特儿，创作了这幅名画。因为这姑娘是园丁的女儿，故又称《美丽的园丁之女》。
【俄】艾伊瓦佐夫斯基
该画创作于1850年，现存藏于圣彼得堡俄罗斯博物馆。
海上每次发生风暴总是以第九集级浪头最险恶、最可怕。九级浪到来轻则摧帆断桅，重则船覆人亡。所以要躲过它的巨大摧毁性威力几乎是不可能的。
画家的立意就是要表现人们征服这九级风浪。它描绘了断桅上的人们战胜惊涛骇浪的无畏勇气和决心，表现了人与自然拼搏的顽强意志和壮观景象。天空浓重云雾，透过云层的阳光洒在大海巨浪上，映照得灿烂透明，这给挣扎在死亡线上的人们以光明与信心。画家那光与色的笔触，完全融化在海浪中，给人以身临其境之感。整个画面宏伟壮丽，是一首充满高昂激情的大海抒情诗篇。
《九级浪》表现的是风暴中漂泊的人们，他们栖居在帆船的残余物上，为了生存拼命挣扎，狂风巨浪呼啸而来，暴风雨中的船与人，表现了人与大自然的抗衡，表现了自然的巨大力量与不可抗拒性。画面气势逼人色彩动人，借以烘托人的大无畏精神。这是一幅关于人和自然的颂歌，使人震撼，也使人动情，给人以难忘的印象。
微风下的荷兰小船
【荷兰】扬.范.德.卡帕勒
这幅世界名画作于1650年。
波澜不惊，风起云涌。这幅画以远景的灰色和近景的金黄色勾画出物体的轮廓，甚至要将空气、河水、云雾等，都勾画出轮廓来，无论是近景还是远景的物像，在清晰度上都被拉到同一个平面上来，构成宏伟开阔的景象。很低的地平线给人无限的遐想空间。画家以善于描绘光与空气的微妙关系而闻名，尤其对水气弥漫的掌握有独到之处。
【法】雅克.路易斯.达维特
该画作于1794年，1893年比利时皇家博物馆将此画收藏，成为世界艺术宝库中的无价之宝。
这幅画因马拉的特殊身份和简洁有力的形式而为人们所熟知。创作这幅画的时候，法国大革命已经爆发了4年，在一轮又一轮的政治斗争中，雅各宾派掌握了政权。马拉是雅各宾派的核心领导人之一，雅阁宾派当政以后他因为卓越的号召能力而成为该派的主席，负责处理众多日常事务。他患有严重的皮肤病，每天只有有泡在洒过药水的浴缸中才能缓解痛苦。于是，浴室就成了他最经常呆着的办公场所。日，一位持不同政见的夏洛特.科黛借口报告重要情报，进入马达的浴室，并在毫无防备的情况下行刺，使这位革命领导人在自己的工作岗位上死去。
画家用写实的手法再现了当时的情景：马拉倒在浴缸里，鲜血正在从伤口中流出，带血的匕首滑落在地上，而凶手已经逃离现场。画家将画中的主角设计在一个情景和场景之中，丰富了肖像画的表现内容，增强了它的感染力。
【挪威】爱德华.蒙克
该画作于1893年，现收藏于奥斯陆国家画廊。
这是非常有名的一幅画，他描绘了一个面容近似骷髅的人，双手捂住耳朵，站在一条看不见首尾的公路桥上，似乎由于惊吓而大声呐喊。画家一版画的方式，把红、蓝、绿、赭石的色线，组成流动的河水与天空的形状，造成一种游动与飘忽的动态，给人以不安感，似乎是一场“恶梦”的再现。它象征着“世纪末”人们的彷徨情绪。
【法】雷诺阿
此画作于1881年-----1886年，现存藏于伦敦国立画廊。
画上所表现的是巴黎的一个春日，熙熙攘攘的行人突遇阵雨，于是张开的伞群形成了一种有趣的弧形线网。
画家意识到伞本身在画上的装饰趣味，他把这些弧线重叠地画在画面的上半部，观众通过这些弧形的伞，再往下看到了一幅繁杂热闹的景象：前景左侧是一位秀丽多姿的年轻妇人，她臂挽篮子，篮内装着几顶待售的帽子。后面一个绅士模样的人正用眼睛盯着她，想要上前以遮雨的伞来讨好这位妇女。在前景的右面有两个赶集市的小姑娘，更小的一个手拿着滚铁环玩具，眼睛注意着观众。在中间，有两个穿着华贵的妇女站在中景上，前面一个似乎对那个拿着铁环的小女孩发生兴趣，后面一个妇女刚把雨伞打开。
这幅画的人物并不多，但由于交叠处理，伞的弧形线的不同方向以及整个色调气氛，使画中的景象显得异常热闹丰富，给人以一种拥挤感。雷诺阿采用了一个主调，即以蓝紫色为基调，从而使画面充满一种富有节奏的单纯感，场景十分动人。春雨绵绵的巴黎街景，给这个拥挤的集市增添了生活节律。
据说画面上左手提篮子的女人是以雷诺阿之妻阿林为模特儿的。
维也纳的诞生
【意大利】桑德罗.波提切利
《维也纳的诞生》是波提切利的代表作，当时是为佛罗伦萨统治者梅第奇家族的一个远房兄弟绘制的。此画表现女神维也纳从爱琴海中浮水而出，风神、花神迎送于左右的情景。该画创作于1487年，现存于意大利佛罗伦萨乌斐齐美术馆。
该画取材于一个希腊神话：有个叫库娄诺斯的人，他是万神之王宙斯的父亲，宙斯受母亲盖娅的指使割下他父亲的生殖器抛进海里长期漂流，结果变成一个比雪还白的水泡。等水泡一开，在中间生出一位亭亭玉立、如花似玉的少女。这位少女被风神塞浦路斯用微风送到米洛斯岛，在那里由季节女神赫拉给她披上美丽的衣服，她也成为女神。
这幅画构图比较单纯，全画以裸体的维纳斯女神为中心，画面上人物的体态和衣纹表现十分出色，人物与自然背景也达到巧妙的和谐统一。维纳斯是那样无动于衷地以羞怯和幽怨的感情在对待一切，她对于生活的未来不是充满乐观的信心，而是感到惆怅和迷惑，这也波提切利矛盾世界观的反应。此画中的维纳斯形象，虽然仿效希腊古典雕像，但风格全属创新，强调了秀美与清纯，同时也具有含蓄之美，也预示着美需要像贝壳一样去打磨。
维苏威火山爆发
【意大利】路易斯.埃克托尔.勒鲁
该画作于1881年，存藏在法国第戎美术馆。
维苏威火山是一座活火山，位于意大利南部那不勒斯湾东海岸，是世界最著名的火山之一，被誉为“欧洲最危险的火山”。
路易斯.埃克托尔.勒鲁的这件作品，描绘的是日维苏威火山爆发的瞬间，人们惊恐与绝望的场景。
作品以强烈的明暗对比手法来描绘火山喷发的瞬间以及人们的表情。远处是黑暗中爆发的火山，滚滚的尘埃遮蔽了天空和地面，更加突出了身着白衣逃难的女性。这幅作品运用古典的手法，刻画了女人们的表情与神态，体现出古典式的理性与严谨。
亚威农少女
【西班牙】巴勃罗.鲁伊斯.毕加索
该画创作于1907年，是第一张被认为有立体主义倾向的作品，现场于纽约现代艺术博物馆。
画中五个裸体的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成。
画家把这五个人物不同侧面的部位，都凝聚在单一的一个平面中，把不同角度的人物进行了结构上的组合，看上去就好像他把五个人的身体先分解成单纯的几何形体和灵活多变、层次分明的色块，然后在画布上重新进行了组合，形成了人体、空间、背景一切要表达的东西，就像把零碎的砖块构筑成一个建筑物一样。女人正面的胸铺变成了特侧面的扭曲，正面的脸上会出现侧面的鼻子，甚至一张脸上的五官全都错了位置，呈现出拉长或延展的状态。画面上呈现单一的平面性，没有一点立体透视的感觉。所有的背景和人物形象都通过色彩完成，色彩运用的夸张而怪诞，对比突出而又有节制，给人极强的视觉冲击力。毕加索也借鉴和吸收了一些非洲神秘主义的艺术元素，比如画面上两个极端扭曲的脸，扭曲变形的部位，红、黑、白色彩的对比，看上去狰狞可怕，充斥着神秘的恐怖主义色彩。
这幅画在以后的十几年中使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚至波及到其他领域。不仅在美术上，连芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐上，都引起了共鸣。《亚威农少女》开创了法国立体主义的新局面，毕加索与勃拉克也成了这一画派的风云人物。
【荷兰】文森特.梵高
该画是梵高创作于去世的前1889年5月。当时梵高进了法国圣雷米的一家精神病院，在那里画成，现收藏在美国加州保罗盖茨美术馆。
《鸢尾花》被称为梵高在“圣雷米时期最伟大的作品之一”，它远远地就能吸引住人们的目光，色彩丰富，线条细致而多变，整个画面充满律动及和谐之美，洋溢着清新的气氛和活力。鸢尾花和向日葵一样，原本都是很平凡的植物，但梵高赋予它们精彩的形象与色彩以及永恒的生命力，是这位一生都在痛苦与挣扎中度过的画家对大自然的赞美，对美好生活的向往，仿佛是一位黑暗中孤独的舞者内心里无语的倾诉，他画的鸢尾花鲜丽可爱，但又有点忧伤，有点孤独和不安，甚至有一种近乎增长的姿态。画家梵高也在油画中表现出清新的洋溢着活力的气氛。
鸢尾花为草本植物，五月开花，法国人视它为国花，认定它是光明和自由的象征。这幅油画价值5390万美元，被视为全世界最昂贵的十幅画之一。作者文森特.梵高是继伦勃朗之后荷兰最伟大的具有世界性影响的画家。
戴珍珠耳环的少女
【荷兰】约翰内斯.维米尔
《戴珍珠耳环的少女》是约翰内斯.维米尔1665年创作的画布油画。画作以少女戴着的珍珠耳环作为视角的焦点，现存放在荷兰海牙毛利斯博物馆。
画中少女的惊鸿一瞥仿佛摄取了观画者的灵魂。维米尔在这幅画中采用了全黑的背景，从而取得了相当强的三维效果。黑色的背景烘托出少女形象的魅力，使她犹如黑暗中的一盏明灯，光彩夺目。画中的少女侧着身，转头向我们凝望，双唇微微开启，仿佛要诉说什么。她闪烁的目光流露殷切之情，头稍稍向左侧倾，仿佛迷失在万千思绪之中。少女身穿一件朴实无华的棕色外衣，白色的衣领、蓝色的头巾和垂下的柠檬色头巾布形成鲜明的色彩对比。
维梅尔在画中使用平凡、单纯的色彩和有限的色调范围，然后用清漆取得层次和阴影的效果。这幅画另一个瞩目之处，是少女左耳佩戴的一只泪滴形珍珠耳环，在少女颈部的阴影里时隐时现，是整幅画的点睛之笔。珍珠在维梅尔的画中通常是贞洁的象征，有评论家认为这画很可能作于少女成婚之前。
画中少女的气质超凡出尘，她心无旁鹜地凝视着画家，也凝视着我们。欣赏这幅画时，观者会很轻易地融化在这脉脉的凝望中，物我两忘。荷兰艺术评论家戈施耶德认为这是维梅尔最出色的作品，是北方的“蒙娜丽莎”。
此画面世300多年来，世人都为画中女子惊叹不已：那柔和的衣服线条、耳环的明暗变化，尤其是女子侧身回首、欲言又止、似笑还嗔的回眸，唯《蒙娜丽莎》的微笑可与之媲美。画中女子的真实身份，亦如蒙娜丽莎一样，是一个千古之谜。
美国作家崔西.雪佛兰看到这幅作品时一下子被打动了，她将其改编为同名小说并立刻在美国图书排行榜上占据高位。导演彼得.韦伯看过这本根据名画改编的书后，又立刻将其改编为感人至深的爱情电影并大获好评。
真理／自由女神
【法】朱尔斯.勒菲弗尔
该画创作于1870年，现收藏于巴黎奥赛博物馆。
《真理》是具有象征意义的构思，画家以浪漫主义绘画的手法，描绘了身材修长的窈窕少女，少女纯净的眼神凝视前方，体态匀称、线条流畅、富于青春活力。她一手高举“光明”，一手紧握一根绳索，形象地说明了真理既复杂又单纯。无疑，美丽的裸体少女是真理的象征，也是艺术理想的象征。
最后的审判
【意大利】米开朗基罗
1535年末，教皇保罗三世不顾作者年事已高，要他为西斯庭教堂祭坛后面的大墙上绘制壁画。教皇这种疯狂的艺术剥削行为，使米开朗基罗身心俱悴。当时，米开朗基罗正经历着精神与信仰的危机，他选择《最后的审判》这一主题，展现了他的痛苦。
该画作于1536-----1541年，馆藏于梵蒂冈西斯廷礼拜堂。米开朗基罗作画期间不断从赞美诗《最后的审判日》和但丁的《地狱篇》中汲取灵感。该画尺度巨大，占满了西斯廷天主堂祭台后方的整面墙壁，描绘有400多个人物，是以现实和历史中的人物为模特儿的。画面大致可分为四个阶层，最上面是天国的天使，画面中央是耶酥基督，下层是受裁决的人群，最底层是地狱。
画面构图是这样安排的：上方与天顶画相接处两个半圆形画面是一些无翼天使，他们正簇拥着基督受难时的十字架等物，左边一组报的是十字架，右边一组抱的是耻辱柱。耶稣下方八个吹号角的天使正在唤醒死者宣示审判开始。
画面正中央云端闪电中站着身躯高大、神态威严的救世主基督，他正举起有力的右臂，表示宣判开始。耶稣十二宗徒和圣母玛莉亚环绕在旁边，圣母玛莉亚畏缩地抓紧头巾和衣衫，屈身在儿子的右肋之下。
左边是基督的门徒和殉道的圣者们；左手背小梯子的通常被认为是亚当，后面围红头巾的女人是夏娃；还有一个体格壮实的老人被认为是圣保禄。右下方云端是使徒巴尔多禄茂，手中拿着一张殉道时所被割下之人皮，这张皮画的正是米开朗基罗自己。
画面下部是善恶两部分人正受到重生的耶稣的裁决。画面左侧描绘的人物将升往天国的人群，右侧则将打入地狱的亡魂。右下角水面的船上向亡魂挥舞船桨的是地狱的引渡人，冥神“夏龙”，坐上船的亡魂将渡过阿克隆河打入各层地狱。米开朗基罗将他所厌恶的教宗儒略二世绘入了这幅作品，为了表达不满他将教宗画入下方地狱受蛇怪所撕咬。
米开朗基罗在描绘地狱风景时，曾受到但丁《神曲.地狱篇》的启发，整个构图在当时是一种全新的尝试，形成了一个律动的圆形的以基督为中心的统一体。这样使众多的人物和复杂的情节显得统一和谐。
在沃纳划的船上
【墨西哥】安德烈.佐恩
《在沃纳划的船上》是安德烈.佐恩创作的油画作品，创作年代不详，现存藏处墨西哥西蒙基金会。
佐恩自始至终取材于平凡的生活和景物。最喜欢画烟波浩淼的湖泊、白雪皑皑的丛林和在无垠的原野上生活的居民。就连他那横决一世的女人体也从不离开日常创造的环境，也不采用职业模特，而是从当地女青年中挑选。因此，现在他的人体画儿被看作瑞典的民族绘画，是某种北欧女性的象征。
软垫上的裸女
【意大利】莫迪里阿尼
这是画家风格成熟后的一幅重要作品。画面上一个裸体的黑发女子仰面躺在一个软垫上，造型大胆而裸露。整体看上去面容憔悴、身体虚弱，软软地躺在那里，仿佛正患着大病一样。
故意拉长的颈部把画中女子莫名的忧郁和悲伤表现得很充分、张扬，而夸张的细长身体有一种变形的和谐和匀称，给人一种打破常规的视觉美效果。
色彩上，背景的软垫色彩很有讲究，整块的暗红色和整块的灰、黑、黄色，对比协调，过渡自然。整体色彩搭配得隐晦而不刺目，与人物的形象一致，很好地突出的人物病态。
下楼梯的裸女
【美】杜尚
该画收藏于费城艺术博物馆。
1912年，一个名叫杜尚的青年将一幅名叫《下楼梯的裸女》的油画交到了一个由“立体主义者”举办的独立沙龙画展。可是主办方看了这个作品后不满意，希望杜尚能把画作拿回去修改一下再来展览。可是杜尚一言不发地拿走了。
到了第二年，美国有史以来第一次举办“国际现代艺术展，《下楼梯的裸女》却成了整个展览中最引人注目的作品之一。但《华尔街日报》则是这么评价它的：“标题牛头不对马嘴，画布上没有裸体的人，不管你怎么用心看，也不管你从什么角度看，都只能看到一块画布。”
【英】波因特
这幅画表现了两个正在沐浴的青年女子，她们正在嬉闹，展示出酮体的娇美，也流露出天真无邪的品性。浴室内光线柔和、装饰华丽，侧光把侧身斜坐女子的丰满线条渲染得淋漓尽致，而反光则将正在洗浴的女子丰满的身体突出出来。
画面以写实为主，强调了光色、冷暖的关系对比，营造了一个温馨的世界。
最后的晚餐
【意大利】列奥纳多.达.芬奇
《最后的晚餐》创作于1494-----1498年，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅画。画面中的人物，以惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。收藏于意大利米兰圣玛莉亚德尔格契修道院。
该画取材于《新约圣经》。据《新约圣经.马可福音》记载：耶稣最后一次到耶路撒冷去过逾越节，犹太教祭司长阴谋在夜间逮捕他，但苦于无人带路。正在这时，耶稣的门徒犹大向犹太教祭司长告密说：“我把他交给你们，你们愿意给我多少钱？”犹太教祭司长就给了犹大30块钱。于是，犹大跟祭祀长约好：他亲吻的那个人就是耶稣。
逾越节那天，耶稣跟12个门徒坐在一起共进最后一次晚餐，他忧郁地对12个门徒说：“我实在告诉你们，你们中有一个人要出卖我了！”12个门徒闻言后，或震惊、或愤怒、或激动、或紧张，《最后的晚餐》表现的就是这一时刻的紧张场面。
画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面做的自然延伸。为了构图使图做到比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次，越靠近耶稣的门徒越显得激动。耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。
《最后的晚餐》不仅标志着达.芬奇艺术成就的最高峰，也标志着文艺复兴艺术创作的成熟与伟大。这件作品达到了素描表现的正确性和对事物观察的精确性，使人能真切感受到面对现实世界的一角。在构图处理上也取得了巨大成就，人物形象的组合构成了美丽的图案，画面有一种轻松自然的平衡与和谐。更为重要的是，他创造性地使用圣经题材的创作向历史源流的文化本义回归，从而赋予了作品以创造的活力和历史的意义。
【法】克洛德.莫奈
该组画创作于1895-----1926年，收藏于伦敦国立画廊、丢郎-吕厄画廊。
作者用20多年的时间养睡莲、画睡莲，让全世界都跟着他为这种植物着迷。他的《睡莲》系列画作一直是收藏家追捧的精品。
红、白、蓝的菱形画
【荷兰】蒙德里安
作于1924-----1925年，现存藏于华盛顿国家美术画廊。
《红、白、蓝的菱形画》是一幅最能代表蒙德里安艺术思想的作品。画面把一个正方形按菱形的样式放置，通过长短不同的水平线和竖直线把画面分割成了诸多的三角形、正方形和长方形以及各种不规则的图形。
这时，我们仔细分析就会感觉到这其中富于变化、包罗万象的艺术特色，就如同我国传统文化中道教精美绝伦的“八卦图”一样暗含玄机。画家进一步在这众多的图形中，填充了单纯的红、黄、蓝等原色，使画面在造型之外，又增添了变化的因素。
【美】科尔
该画创作于1836年。现存藏在美国大都会美术馆，罗素赛季夫人19080捐赠。
这画还有一个长的名字：《暴风雨后马萨诸塞州北安普顿圣轭山风景》，画的右侧是一幅充满诗意的乡村景象，河流呈U形，让人想起来牛轭-----人类控制自然的象征。画中左侧仍是雷雨肆虐的山野。画的本身体现了科尔的矛盾心理：既欣赏人类开发自然，又担心自然遭到破坏。
第聂伯河上的月夜
【俄】库因芝
该画收藏于莫斯科特列恰科夫美术馆。
在一般人的概念中，都已熟悉了用黄色的或者银白色来画月光，但在这幅画中，库因芝却是选用了一种粉绿色来画出月光，看上去似乎不可思议，但在整幅画中这颜色却无比地协调，又无可替代。第聂伯河静静地躺在深暗色的河床中，闪耀着粼粼的波光，伫立在画前的观众犹如听到了隐隐的涛声，嗅到了蒙蒙的水气。它犹如一首抒情的诗篇，一下子就慑动了全体观众的心，这正是“人人心中所有，人人笔下所无”的情景。《第聂伯河上的月夜》为库因芝赢得了非凡的荣誉。
【俄】希施金
该画作于1891年，现收藏于莫斯科特列恰科夫美术馆。
这是名画中最美的一幅风景画。画家描绘了橡木林中微雨的情景，地下汪着泥泞，泥水中还有倒影，空气中飘着蒙蒙的雨意，隐若若现，令远景显得模糊、空蒙、远淡、飘逸，增加了空间感。使画面一下子通透起来。那条泥路弯弯曲曲通向远方，朋友萨维茨基照例又在画面上给添加了几个人，一对夫妻打着伞，前面还有一位猎人扛着枪。行进的路上和行进的人把观众的视线引向画面的深不可测之处，让人不知雨雾深深深几许？
《愚公移山图》
该画创作于1940年，现存藏于徐悲鸿纪念馆。名列《中国现当代最具影响力的十大油画作品》之首。
画作将中国的传统绘画和西方绘画技巧有机地融会一体，独创了他“中西合璧“的写实艺术风格，具有很高的艺术价值。
关于此画的人物为什么多为印度人和裸体的问题，徐悲鸿有过解答：“艺术但求表达一个意思，不管哪国人，都是老百姓。”
《开国大典》
作于1952年，位居《中国现当代最具影响力的十大油画作品》第二。
《开国大典》所描绘的是日，中华人民共和国中央人民政府成立时，天安门国庆典礼的盛况。场面恢宏、喜庆热烈。画家在进行严谨的写实描绘中，借鉴了民间美术和传统工笔重彩的表现手法，具有较强的装饰性抒情性。有评者认为是“富有装饰意味的纪念碑性的大型历史画。”
《占领总统府》
作于1976年，在《中国现当代最具影响力的十大油画作品》中第三位。
《占领总统府》也叫《蒋家王朝的覆灭》，这是一幅气壮山河的现实主义和浪漫主义相结合的油画作品，造型和油彩记录了一个伟大的历史瞬间：中国共产党领导的人民解放军占领南京，宣告国民党反动统治的彻底结束。画面上象征革命胜利的鲜红旗帜升起在伪总统府大楼的顶端，“青天白日”旗黯淡地蜷缩坠落。值得一提的是，画家大胆地从俯瞰天下的角度进行构图，将人民解放军昂扬的斗志和对胜利的欢庆表现得淋漓尽致。
作于1981年，在《中国现当代最具影响力的十大油画作品》中排位第四。
谁都无法忘却这张布满皱纹的脸，他是你我精神上共同的父亲，也是中华民族沧桑历史的见证，更是时代的产儿-----在经历了伤痕文学时期后，人们迫切需要一种更深沉、更本土的东西。八十年代初的“乡土风”成为艺术家们追求的时尚，当时还在四川美院读书的罗中立应运而生，碰巧西方现代艺术中超级写实主义成为《父亲》的最合适的借鉴。《父亲》在“文革”后百废待举之际，在中国美术馆展出之时，引起了巨大轰动。它开创了中国美术界的新领域，成为我国美术史上的一个里程碑。
《春风已经苏醒》
作于1981年，在《中国现当代最具影响力的十大油画作品》中排位第五。
何多岺，男，1948年出生于成都，是四川美术学院“伤痕美术”的代表人物。上世纪80年代初以《春风已苏醒》、《青春》等作品，奠定了其在中国当代油画史上的特殊地位。那一时期何多灵岺的作品是抒情的、神秘的、不可知的。与之相比，当下何多岺的作品更具个人化，在写实主义的自身语言模式中努力探求一种当代的可能性。画面神秘、耐人寻味，灰色的色彩微妙而复杂，灵动性的笔触准确的把握了造型，细微的层次感，灰色和彩色交织，无形中流露出淡淡的伤感。何多岺被誉为“当代中国画坛杰出的现实主义者。”
《赶火车》
高小华创作于1982年的布面油画《赶火车》，长4.5米、高1.5米，在《中国现当代最具影响力的十大油画作品》中位列第六。
该画以写实主义手法再现了人民大众赶火车的普通场景，曾在中国美术馆展出，被美术界誉为“油画的清明上河图”，不失为改革开放初期中国社会的一个缩影。1999年该作品获得美国太艺术研究院“20世纪艺术贡献奖”勋章，2003年《赶火车》参加中国嘉德拍卖，创21世纪初中国当代油画最高价。
《华工船》
作于1984年，位列《中国现当代最具影响力的十大油画作品》第七。
陈丛林的《华工船》以19世纪华工背井离乡、飘洋过海的血泪史为题材，是程丛林的代表作之一。
《南京大屠杀》
《南京大屠杀》宽3.2米、高2.1米。以屠、生、佛三联组成，再现了1937年日军在南京屠城的暴行：在成堆的尸体面前，两个狞笑的日本士兵在擦拭军刀上的血；一个幸存的孩子在成山的尸体上哭喊；一位血染僧袍的僧人为在为死难者收拾。这是一幅让所有中国人过目不忘的油画。在《中国现当代最具影响力的十大油画作品》中排名第八。
《南京大屠杀》是李自健最知名的一幅油画。1988年，李自健只身来到美国自费留学。两年后李自健凭借横溢的才华和坚韧的意志，在肖像画领域开始有所收获，但依然困顿于艺术而感到前程渺茫。1991年春，偶然的机缘让他在洛杉矶西来寺结识了享誉世界的高僧星云大师。得星云大师特别赏识与鼎力支持，画家得以搬入星云大师提供的蒙蒂拉精舍优雅环境，潜心作画。500余日夜，创作出一大批表现人间大爱的油画作品。一天，外出弘法返回美国的星云大师向李自健提出，“能不能画一幅表现南京大屠杀的巨幅油画”。大师说他就是南京大屠杀这场灾难的受害者和见证人。1937年12月，年仅12岁的少年星云，在母亲的带领下到南京寻找父亲。找遍了血腥屠城，未果。从此天人永隔、留下了刻骨铭心的记忆。
半个多世纪过去了，大师为让后人永远铭记这段惨无人道的悲痛历史，他深情嘱托画家去创作一幅警世之作。李自健不负大师厚爱，在大洋彼岸洛杉矶潜心创作三个月，克服重重困难悲愤执笔，终于完成了这幅让世人震撼、让日本右翼势力惧怕的巨幅历史油画，并将此幅巨随着“人性与爱，李自健油画环球巡展”，在全世界六大洲30个国家和地区广泛展出，造成巨大的轰动与反响。
李自健于1991年、2003年先后创作的两幅《南京大屠杀》巨幅历史油画，现已分别收藏于北京中国国家博物馆和侵华日军南京大屠杀死难同胞纪念馆。
《大家庭.系列》
该画作于上世纪90年代，在《中国现当代最具影响力的十大油画作品》中排位第九。
组画《大家庭》中的人物粗一瞧都是来自这个时代，细一看各人物间有着一种奇特的亲属关系，他们差不多像克隆出来的，一条淡淡的、不易被察觉的红线把一个个人物、一幅幅画连在了一起。在这些人的鬓角上或嘴角边，都带着浅浅的色彩标记。画家就是用这种方法去表现记忆中遭受痛苦的痕迹，用一条象征着奇特血缘关系的红线去展示共同的过去，也就是中国人在20世纪六七十年代的遭遇。“我们就像是一个大家庭。在这个大家庭中，要学会面对所有的血缘关系，包括家庭血缘、社会血缘。”
《公元一千九百四十五年
九月九日九时》
该画创作于2003年，在《中国现当代最具影响力的十大油画作品》中排名第十。
陈坚，1951年出生，无锡人。中央美术学院油画系毕业，现在是南京军区政治部文艺创作室专业画家。10余年的创作经，使陈坚增长了不少